آموزش تخصصی تار 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. یک جلسه خصوصی نیم ساعته است. یک جلسه گروهی یک و نیم ساعته. ** آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** سبک موسيقی کلاسيک: تقسیم بندی دوره های موسیقی کلاسیک تا حدی شبیه تقسیم بندی دوره های هنرهای دیگر در اروپاست ولی زمان این دوره ها برای هنرهای مختلف مقداری متفاوتند. به هر حال موسیقی کلاسیک را میشود به شش دوره تقسیم کرد. دوره اول دوره قرون وسطایی (به طور متوسط از قرن 6 تا 14) و دوره دوم یعنی رنسانس (قرن 15 و 16) آنچنان در موسیقی کلاسیک دارای اهمیت نیست (بر خلاف هنرهایی مثل نقاشی و معماری)، چرا که تحولات در زمینه سازها و همین طور ثبت آثار خیلی چشمگیر نیست. اما بعد از رنسانس، موسیقی کلاسیک همانند بقیه هنرها در اروپا به چهار دوره زمانی تقسیم میشود: سبک موسیقی اوایل کلاسیک که تا سال های 1770 را دربر می گیرد و شامل دو سبک روکوکو (Rococo)و اکسپرسیو (Expressive) است . سبک روکوکو خصوصاً در فرانسه نُزج گرفت و واژۀ فرانسوی سبک گالانت (Style Galant) اغلب به عنوان مترادف آن به جایش به کاربرده می شود. بانی سبک اکسپرسیو که بعداً رواج یافت, آهنگسازان آلمانی بودند و معادل آن در زبان آلمانی Empfindsamer Stil ( سبک حساس و باوقار ) است. این دو سبک حاصل و نتیجه ی اهمیت بخشیدن به دو صدای طرفین در موسیقی باروک است. امّا در قرن هیجدهم, خط باس اهمیت, رهبری و استقلال کنترپوانتیک خود را از دست داد و صرفاً حمایت کننده ی ملودی شد در حالی که صداهای میانی فقط پر کنندۀ هارمونی بودند. سبک روکوکو یا گالانت در مجامع باوقار اشرافی ظهور کرد و سبکی بسیار ظریف, دقیق, چابک, شوخ, آسان,پرجلال و شکوه بود. روکوکو همان شیوۀ زینت و آذین بیش از حد دوره ی باروک است ولی بدون بزرگی و عظمت. از سوی دیگر سبک اسپرسیو ( به معنی رسا و پر معنی ) در ارتباط بیشتری با طبقه ی متوسط جامعه قرار داشت و در کل سبک بورژواها بود . این سبک برخلاف روکوکو نه تنها پر طمطراق و پرزینت نبود, بلکه گاهی به طور عمد و اغراق آمیزی ساده بود . سبک دوره ی عظمت کلاسیک که در آن فرم ها و سبک ها اصولاً ثابت ماندند, آهنگسازان موقعیتی یافتند تا افکار و رویدادهایی را که از تخیلات آزادشان برمی خواست شکل دهند. تاریخ نویسان دوره ی عظمت کلاسیک را به دو دلیل مکتب " کلاسیک وین" نام نهادند: اول این که تمام آهنگسازان مهم در وین یا اطریش فعالیت کرده اند و دوم اینکه عوامل موسیقیایی وین ( یا اطریش ) در موسیقی سبک کلاسیک راه یافت و تأثیرات فراوانی بر آن به جای گذاشت . موسیقی کلاسیک را از نظر سبک و تحول تاریخی آن به چند دوره کوچک‌تر تقسیم کرده‌اند: در این دوره موسیقی‌دانان بیشتر از ادرکات حسی و تمایلات روحی خود در ساخت موسیقی و شکل دادن به سبکها بهره می‌‌بردند. دوره باروک ... دوره کلاسیک .... دوره رومانتیک .... دوره مدرن نوگرایی یا مُدرنیسم به معنی گرایش فکری و رفتاری به پدیده‌های فرهنگی نو و پیشرفته‌تر و کنار گذاردن برخی از سنت‌های قدیمی است. تقسیم بندی دوره های هنری - از جمله موسیقی - بعد از رونسانس چهار دوره اصلی در نظر گرفته میشود. اول سبک باروک (Baroque) که بطور تقریبی بین سالهای 1600 تا 1750 میلادی ادامه داشته، دوم دوره کلاسیک بین سالهای 1750 تا 1820 ، سوم رمانتیک بین سالهای 1820 تا 1910 و بالآخره موسیقی مدرن یا همین موسیقی عصر حاضر از 1910 تا به امروز. طبیعی است که این تاریخ ها تقریبی هستند و انتقال سبک موسیقی از یک دوره به دوره بعد طی یک دوران گذر اتفاق بوده است که در آن مدت هنرمندانی بوده اند که با سبک هایی بینابین ، آثار هنری خود را خلق میکردند. چهره های بزرگ این دوره ها شامل آهنگسازان اتریشی هایدن و موتسارت و آهنگساز آلمانی یعنی بتهوون هست. شاید موتسارت و بتهوون به همراه باخ سه چهره برتر کل تاریخ موسیقی کلاسیک باشند. هچنین آهنگسازان بزرگ دیگر نیز دراین دوره ها شهرت پیدا کردند به نام های: شوبرت،شوپن،شومان،برامس،یوهان اشتراوس،پاگانینی،روسینی، چایکوفسکی، بیزه، وردی، وگنر، لیست، مندلسون، البنیز، دورژاک، افن باخ، سن سان، گریگ، الگار، دبوسی، موسرگسکی، ریمسکی کورساکف و مالر از موسیقیدانان مشهور این دوره هستند.

آموزش مقدماتی سه تار 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. یک جلسه خصوصی نیم ساعته است. یک جلسه گروهی یک و نیم ساعته. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** سوراخهای صفحه برای ایجاد صدای بهتر، چند سوراخ روی صفحه لازم است. معمولا ده سوراخ بر روی صفحه مشاهده می شود که یک سوراخ بزرگتر از بقیه است. شکل و نحوه استقرار سوراخها به سلیقه سازنده بستگی دارد.

آموزش دوره کامل نی 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. ** آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** نای هفت‌ بند از گیاه نی ساخته می‌شود و طوری آن را می‌برند که از سر تا ته آن شامل هفت بند شود. نی هفت‌بند یا به اصطلاح نی متشکل از ۵ سوراخ در جلو و یک سوراخ در پشت آن است که توسط انگشتان دوم و چهارم از یک دست و انگشتان اول تا چهارم از دست دیگر پوشیده می‌شوند. وسعت صدای آن به 3 اکتا و و چند صدا می‌رسد. ۵ صدای بم، بم نرم (1p یا 1 piano)، زیر، غیث و پس غیث (تا فا) دارد که نت Si در صدای بم آن روی نی وجود ندارد و نوازندگان آن را با لب می‌نوازند . به طور کلی نی را با جا گرفتن بین دو دندان نیش و گرد کردن زبان در پایین و پشت آن می‌نوازند اما اساتیدی همچون جمشید عندلیبی زبان را در بالا می‌گذارند. برعکس سازهای دیگر، نی کوک ندارد و برای کوک‌های مختلف سازهای متفاوت ساخته می‌شود. به طوری که Do بلندترین و Do با 7 فاصله کوتاهترین نی هستند. کوک نی به اين معناست كه اگر در حالت بم اگر سوراخ پشت نى را بگيريم و بدميم. .صداى حاصله بر اساس دياپازون. . هر نتى كه بود آن نت كوك نى است. . مثلآ اگر صداى نت سل بدهد ميگوييم اين نى سل است. در کل شیوه نی‌نوازی به دو گونه نایب اسدالله و کسایی است. از اساتید می‌توان حسن کسایی، حسین عمومی، جمشید عندلیبی، محمد موسوی، حسن ناهید و محمد علی کیانی نژاد را نام برد.

آموزش دوره کامل مبتدی و پیشرفته کمانچه 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. یک جلسه خصوصی نیم ساعته است. یک جلسه گروهی یک و نیم ساعته. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** انتخاب مربی یکی از مهمترین نکاتی که در فراگیری موسیقی باید به آن توجه نمود انتخاب مربی است . بهترین مربی کسی است که با حوصله و با تجربه باشد . دارای سواد آکادمیک باشد . اخلاقش با خلق و خوی شما نزدیک باشد . با نظم و آراسته باشد .( به خصوص برای آموزش کودکان )توجه داشته باشید که همواره برای تغییر مربی آماده باشید زیرا برای دوره های فراگیری متفاوت که در فصل بعد به آن اشاره میکنم لازم است که معلمان متفاوت را تجربه کنید . البته باید ذکر نمود که این تغیرات حتما باید طبق اصول و ضوابط خاص انجام شود و کارشناسی لازم در این مورد صورت گیرد . زیرا همانقدر که تغییر مربی در سطوح متفاوت مفید است ، به همان اندازه ، تغییر معلم در زمان نا مناسب بسیار مضر خواهد بود . زمان بندی دوره های فراگیری موسیقی برای یک ساز خاص، فراگیری کامل یک ساز به طور کلی به دوره های زیر تقسیم می شود : 1ـ مقدماتی 2ـ متوسطه 3ـ پیشرفته 4ـ استادی

ساز بربط 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. یک جلسه خصوصی نیم ساعته است. یک جلسه گروهی یک و نیم ساعته. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** عود نوازهای معروف جهان ساز عود در یک‌صد سال اخیر کاملاً در قبضه عرب‌ها و به‌خصوص مصری‌ها بوده است. از جمله نوازندگان معروف این ساز منیر بشیر (عراقی) است. در کنار او می‌توان به نام‌هایی چون ریاض سنباطی، فرید الاطرش، ناصر شمه و انور براهم اشاره کرد.

ساز قانون 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. یک جلسه خصوصی نیم ساعته است. یک جلسه گروهی یک و نیم ساعته. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** انتخاب مربی یکی از مهمترین نکاتی که در فراگیری موسیقی باید به آن توجه نمود انتخاب مربی است . بهترین مربی کسی است که با حوصله و با تجربه باشد . دارای سواد آکادمیک باشد . اخلاقش با خلق و خوی شما نزدیک باشد . با نظم و آراسته باشد .( به خصوص برای آموزش کودکان )توجه داشته باشید که همواره برای تغییر مربی آماده باشید زیرا برای دوره های فراگیری متفاوت که در فصل بعد به آن اشاره میکنم لازم است که معلمان متفاوت را تجربه کنید . البته باید ذکر نمود که این تغیرات حتما باید طبق اصول و ضوابط خاص انجام شود و کارشناسی لازم در این مورد صورت گیرد . زیرا همانقدر که تغییر مربی در سطوح متفاوت مفید است ، به همان اندازه ، تغییر معلم در زمان نا مناسب بسیار مضر خواهد بود . زمان بندی دوره های فراگیری موسیقی برای یک ساز خاص، فراگیری کامل یک ساز به طور کلی به دوره های زیر تقسیم می شود : 1ـ مقدماتی 2ـ متوسطه 3ـ پیشرفته 4ـ استادی

کلاس آموزش سه تار 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** اجزا ساز سه‌تار دارای دو قسمت کاسه و دسته است. در انتهای دسته پنجه قرار دارد که محل قرارگرفتن گوشی‌هاست. 1ـ سرپنجه یا جعبه گوشی 2ـ گوشی‌ها 3ـ پرده قبل از شیطانک 4ـ شیطانک 5ـ پرده‌های اصلی (چهارلایی) 6ـ پرده‌های فرعی (سه‌لایی) 7ـ دسته 8ـ کاسه 9ـ صفحه 10ـ خرک 11ـ سیم‌گیر 12ـ سیم‌ها

آموزش چنگ 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. یک جلسه خصوصی نیم ساعته است. یک جلسه گروهی یک و نیم ساعته. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** چنگ گونه‌ای ساز زهی باستانی است. در کنار ساز رود (عود) از مشهورترین سازهای ایران باستان به شمار می‌آمده است. در ادبیات پارسی بسیار از این ساز یاد شده است و سیاره زهره را چنگ‌زن دانسته‌اند. در مهری گلین که در بین سالهای 1961 تا 1966 توسط هلن جی کانتر و پناس پی دلو گاز دو باستان شناس امریکایی در چغامیش خوزستان یافته شد و مربوط به هزاره چهارم قبل از میلادودوران عیلامیان می باشد یک نوازنده چنگ منحنی را نشان می دهد .این چنگ 6 رشته دارد .و باز در ایذه مالمیر چنگ نوازانی را می بینیم که دو نوع چنگ را در دست دارند و پیشاپیش هانی و همسرش برای اجرای یک مراسم عبادی در حال نوازندگی هستند این دو نوازنده چنگ نام خود را نیز با خط میخی ایلامی نگاشته اند . چنگ در این دوران 13 رشته دارد.نقش‌برجسته‌های طاق بستان نوازندگان چنگ را نشان می‌دهد که در قایق برای شاه ساسانی که به شکارگاه آمده چنگ می‌نوازند. در آثار طاق بستان در یک قایق 5 نوازنده چنگ منقش شده است . و در یک قایق که پادشاه در حال شکار است یک نوازنده به احتمال قوی باربد می باشد،در حال نوازنده گی است . چنگ در این زمان از 7 رشته تا 11 رشته مشاهده می شود .به مرور زمان همچون بسیاری از سازهای دیگر مهجور و فراموش شده است. البته چنگ تا دوران صفویه موجود بوده است. انواع ساز چنگ در قرن‌های مختلف در ایران یافت شده است از جمله چنگ منحنی مربوط به قرن هفتم هجری قمری از صفی‌الدین عبدالمؤمن اُرُمَوی (ارومیه‌ای). تصویر چنگ در تمام آثار باستانی ایران از دوران هخامنشیان گرفته تا سلوکیان دیده می شود. ساز چنگ در ایران دارای چهار رشته سیم بوده است که در دوره ساسانیان به 11 رشته می‌رسد و در دوران اسلامی تا 35 رشته هم می‌رسد. پیدایش چنگ از پیدایش کمان نشأت گرفته است، در اثر تیراندازی زه مرتعش می‌شد و صدای کمی به گوش می‌رسید. چنگ‌های اولیه شبیه کمانی از نی و چوب بوده که زهی میان آن کشیده شده است. انواع ساز چنگ یا "هارپ" به چهار دسته کلی چنگ ارکستری، چنگ سنتی، چنگ باستانی و چنگ تزیینی تقسیم می‌شود که خود از لحاظ شکل ظاهری به 17 نوع الگو و فرم چنگ تقسیم می‌شود از جمله "چنگ زاویه‌دار، چنگ منحنی، چنگ ون وچنگ کندوگ و چنگ ون کنار ساسانی و چنگ لیر (چنگی در یونان که به شکل U است)می شود یاد کرد". ساز چنگ به عنوان قدیمی‌ترین ساز سیمی جهان مربوط به شش‌هزار سال پیش در خوزستان ایران یافت شده است، اما اکنون در میان اسامی چنگ‌نوازان مشهور جهان که در ویکی‌پدیا آمده نامی از چنگ‌نوازان ایرانی نیست. در ایران، تعداد چنگ‌نوازان بسیار معدود است و شاید فقط یک چنگ‌نواز باشد که به اجرای برنامه و کنسرت می پردازد. "عبدالعلی باقری نژاد"، استادکار ساخت آلات موسیقی و احیاگر چنگ ایرانی به گفتهٔ خودش تنها خانواده چنگ‌ نواز ایرانی است که به صورت گروهی برنامه اجرا می‌کند.او به همراه همسر و دو فرزندش تا کنون در ایران چهار کنسرت پژوهشی برای معرفی این ساز باستانی انجام داده است . وی با تاسیس آموزشگاه چنگ نوازان اولین آموزشگاه چنگ را درایران دائر نموده است و هم اکنون دهها هنرجوی چنگ نوازی دارد.وی با تلاش فراوان توانسته است ردیف نوازی ایرانی را با این ساز به هنر جویان خود بیاموزد .وی معتقد است که طی این 17 سال تحقیق در مورد ساز چنگ هنوز در اول راه است. گرچه اروپاییان مدعی ابداع چنگ‌های پدالی هستند و ادعا می‌کنند این چنگ‌ها در قرن 18 میلادی در آلمان پایه‌گذاری شده اما همین چنگ‌ها نیز بر اساس چنگ‌های زاویه‌دار شرقی ساخته شده است. چنگ، سازی رشته‌ای است که با انگشت نواخته می‌شود که تکنیک نوازندگی در جهان هشت‌انگشتی است اما تکنیک نوازندگی در ایران طبق اطلاعات استخراج‌شده از مستندات باستانی، ده‌انگشتی است. ساز چنگ غالباً از چوب‌های گردو و افرا ساخته می شود. چنگ‌های بزرگ را در ایران اشتباهاً "هارپ" می‌گویند در حالی که در جهان به هر نمونه از چنگ، "هارپ" می گویند. قیمت چنگ‌ها از 450 هزار تومان تا مدل‌های پدالی که قیمت آن به 15 تا 30 میلیون تومان می‌رسد، متغیر است این گرانی قیمت به خاطر ساختمان پیچیده و ساختن دشوار آن است. آخرین چنگ‌نواز ایرانی در دوران صفویه به نام "سلطان محمد چنگی" بوده است و اکنون چنگ‌نواز استاد و ماهری در ایران وجود ندارد. اخیراً کوشش‌هایی در راستای بازسازی این ساز صورت گرفته است. عبدالعلی باقری‌نژاد، مجید ناظم‌پور و سیامک مهرداد در ایران و فکرت کاراکایا (Fikret Karakaya) در ترکیه، نمونه‌هایی از اين ساز را بازسازی نموده‌اند.

تنبور 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. یک جلسه خصوصی نیم ساعته است. یک جلسه گروهی یک و نیم ساعته. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** موسیقی کلاسیک چیست؟ کلاسیک از واژه کلاسیوس (clasious) به معنای شاهانه گرفته شده است. موسیقی کلاسیک نامی است که به سنت موسیقی هنری غرب داده شده‌است. این نام‌گذاری دقتی ندارد و کوشش‌ها و بحث‌های زیادی برای مشخص کردن معنی آن صورت می‌گیرد. معمولاً شروع این موسیقی را از سده های میانی می‌دانند. واژه ی کلاسیک و کلاسیسم , معمولاً به یک دوره از موسیقی اطلاق شده است, امّا اغلب با معانی مختلف, در اصل عنوان سبک یک دوره ی خاص یا سبک مشخصی از موسیقی نیست. ولی از سوی دیگر, واژه ی کلاسیک بر پدیده ای اطلاق می شود که می تواند در اکثر دوره های مختلف تاریخ موسیقی به کار برود و تکرار شود, مثلاً آوازهای شوبرت در آلمان نسبت به قرن نوزدهم نمونه ی کلاسیک به شمار می آید، در حالی که شوبرت از نظر تاریخی آهنگساز دوره ی رمانتیک محسوب می شود و افکار و عقایدش نیز رمانتیک است . بنابراین معنی واژه ی کلاسیک در ارتباط با یک قطعه ی مشخص یا اصولاً مقوله ی آهنگسازی می تواند کاملاً با معنی آن در رابطه با سبک یک دوره از تاریخ موسیقی متفاوت باشد. با چنین برداشت مشابهی می توان گفت که " پالسترینا" آهنگساز قرن شانزدهم, قرن ها به عنوان نمونه ی کلاسیک موسیقی کلیسایی مد نظرقرار داشته و آثارش مدل اصلی برای دیگر آهنگسازان بوده است . واژه ی کلاسیک در موارد استعمال کلی آن, هنگامی مفهومی بهتر و مفیدتر خواهد داشت که در ارتباط با نوع به خصوصی از آثار موسیقیایی (مانند نمونه هایی که از شوبرت و پالسترنیا ذکر شد) قرار گیرد. در این مفهوم می توان بتهوون را استاد کلاسیک در خلق سمفونی، سونات پیانو،کوارتت زهی محسوب گیرد. فرق میان کلاسیک به عنوان یک راه حل قاطع و استوار برای مسئله ی نقش خلاق در یک اثر هنری یا مقوله ی آهنگسازی از یک طرف و به عنوان یک مفهوم در تاریخ سبک ها از طرف دیگر، همیشه ستیز و اختلاف دایمی را به وجود می آورد که آثار آن نیز امروزه وجود دارد . تاریخ نویسان قرن نوزدهم، کلمه ی کلاسیک را در آلمان به سبک دوره ای که با نسل " کوانتس " و " هانس " و بعداً پسران باخ و معاصرین آن ها شروع شد، اطلاق می کنند و در ایتالیا به سبک موسیقی دمینیکو اسکارلاتی و معاصرینش. آواخر این دوره را به طور واضح نمی توان معین کرد، زیرا جدال بین کلاسیک و رمانتیک تا قرن نوزدهم و حتی قرن بیستم ( با جریان نئوکلاسیسم ) ادامه داشت. این که چه وقت و کجا کلمه ی کلاسیک وارد فرهنگ موسیقی شد نیز به طور کامل روشن نیست . تعریف کلاسیک در ادبیات تا حدی بغرنج و گنگ است ولی این تعریف در موسیقی پیچیده تر می شود . شاید یکی از قدم هایی که به سوی موسیقی کلاسیک برداشته شد، آزاد شدن اثر موسیقی از قید و بند تقلیدها، بیان ،معرفی، در خدمت بودن حتی سرگرمی های اجباری بود و نتیجتاً خود اصل موسیقی مد نظر قرار گرفت. پس برای اولین بار در موسیقی این فکر و ایده ظهور کرد که موسیقی در حقیقت همانند دیگر هنرها " مقصود وهدفی" ندارد، بلکه صرفاً به خاطر خودش وجود دارد . در واقع موسیقی به خاطر خود هنر موسیقی . به عبارت دیگر، در دوره ی کلاسیک با ایده" هنر به خاطر هنر " برخورد می شد که از آن زمان تا کنون هم خیال همراه موسیقی جریان دارد . در کلاسیک هر چیز خارق العاده و افراطی کنار گذاشته شد و بیان موسیقیایی بیشتر با تاکید بر کمال، تمامیت و اعتبار جهانی با استفاده از عوامل ساده و قابل فهم تثبیت شد . مهم ترین ویژگی اوایل دوره ی کلاسیک،ساده کردن هر چه ممکن تمام فرم های موسیقی و عوامل سبکی است. در موسیقی دوره ی کلاسیک ملودی به عنوان یک عامل اساسی و پایدار جلوه گر می شود و تئوری ملودیک مهم ترین مسئله ای بود که موسیقیدانان به آن می پرداختند .

آموزش کلاس تار ویژه بزرگسالان و کودکان 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** مشخص کردن علاقه فرزند آموزش پیانو هنگامی آغاز می شود که کودک به ساز تسلط نسبی داشته باشد. برای پیدا کردن اینکه فرزند شما به چه سازی علاقه دارد و یا از چه سبک موسیقی بیشتر لذت میبرد، بکار بردن پیشنهادهای زیر می تواند مفید واقع شود. ▪ امکان گوش دادن و مشاهده نحوه نواختن انواع سازهای ممکن را بدون آنکه او متوجه شود شما هدف خاصی را دنبال می کنید برای او فراهم نمایید. ▪ هنگامی که با هم از رادیو ضبط به موسیقی گوش می دهید و یا به کنسرت رفته اید راجع به سبک موسیقی کلاسیک، اصیل، پاپ و ... با او صحبت کنید. ▪ فقط به فکر انتخاب ساز نباشید، موارد دیگری نیز مهم است. بعنوان مثال هنرجویان کودک گیتار بیس به مراتب کمتر از هنرجویان کودک فلوت یا ریکوردر هستند. ممکن است با فرستادن فرزند خود به کلاس گیتار بیس که به احتمال زیاد خلوت است ذوق موسیقی در او کمرنگ شود حال آنکه اگر به کلاس فلوت فرستاده می شد به علت شرکت بیشتر هم سن و سالهای او، علاقه به موسیقی در او متبلورتر می گشت. ▪ قبل از قول دادن به کودک که فلان ساز را برایش خواهید خرید از قیمت آن مطلع شوید تا با بودجه شما هماهنگی داشته باشد. ▪ به احتمال زیاد فرزند شما در اوایل کار از دشوار بودن یادگیری شکایت خواهد کرد، توجهی نکنید و تنها سعی کنید او را تشویق به یادگیری کنید. ▪ تجربه نشان داده است که سازهایی مانند ریکوردر یا پیانو برای شروع کار کودکان مناسبتر هستند و برعکس سازهای مضرابی یا آرشه ای دشوار تر، لذا جز در موارد خاص سعی نکنید که این قانون را زیر پا بگذارید. پس از چند سال تمرین و آشنایی با موسیقی فرزند شما می تواند ساز اصلی خود را انتخاب کند. ▪ علاوه بر همه موارد بالا باید دقت کنید که آیا در منزل خود فضای نگهداری ساز را دارید یا خیر؟ و اینکه سر و صدایی که این ساز ایجاد خواهد کرد آیا ممکن است مزاحم زندگی دیگران شود؟ شاید قبول نکنید ولی همین موضوع اخیر می تواند مانع تمرین و پیشرفت فرزند شما شود. ● آیا فرزند شما آماده فراگیری موسیقی است؟ آموزش ویلن از حدود شش سالگی با سازهای کوچکتر از سایز معمول آغاز می شود. بسیاری از اساتید موسیقی معتقد هستند که اگر فرزند خود را زودتر از آنچه لازم است به کلاسهای موسیقی بفرستید ممکن است، استعداد موسیقی آنها را برای همیشه کور کنید. کودک ممکن است در صورت برخورد با دشواری های فراگیری ساز نا امید شود و اعتماد بنفس خود را برای مدت زیادی از دست دهد، این امر می تواند برای او در سایر زمینه های زندگی از جمله مدرسه نیز مضر باشد. بسیاری از کودکانی که در سنین زیر8 سال به کلاسهای آموزش موسیقی جدی فرستاده می شوند دچار چنین مشکلاتی خواهند. ▪ اگر از زیر 8 سال می خواهید موسیقی را وارد زندگی فرزند خود بکنید، فلوت ریکوردر بهترین انتخاب است. تجربه نشان داده است از زمانی که کودک انگشتان خود را با اختیار به حرکت در می آورد، می تواند هنرآموز فلوت باشد. ▪ برعکس مورد اول پیانو را باید زمانی شروع کرد که کودک حد اقل بتواند در حالت ایستاده به کلاویه ها تسلط نسبی داشته باشد و قدرت فیزیکی آن برای فشار دادن کلاویه ها کافی باشد. ▪ سازهای زهی از خانواده ویلن معمولا" از سن شش سالگی زودتر شروع نمی شوند، ضمن اینکه یقینا" باید با سازهایی در ابعاد کوچکتر مثل یک هشتم یا یک چهارم آموزش را آغاز کرد. ▪ سازهای بادی بجز فلوت ، ریکوردر معمولا" هنگامی شروع می شوند که دندانهای اصلی کودک رشد کرده باشند و کودک قدرت کافی برای دمیدن در ساز را دارا باشد. همچنین چون این سازها کمتر در ابعاد کوچکتر موجود هستند باید دقت کرد که آیا وضعیت فیزیکی کودک توانایی اجرای ساز را دارد یا خیر. ▪سازهای مضرابی مانند سه تار، گیتار و ... که در ابعاد کوچکتر هم وجود دارند برای کودکان زیر 8 سال توصیه نمی شوند. نکته بسیار مهم آنکه فرا گیری مهارت های آوازی برای کودکان و نوجوانان بصورت جدی برای سنین پایین 15 سال توصیه نمی شود. اما کلاس های آوزا خوانی دست جمعی از سن سه سالگی با عث رشد علاقه آنها به موسیقی خواهد شد.

تدریس سنتور بصورت مبتدی و پیشرفته 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. یک جلسه خصوصی نیم ساعته است. یک جلسه گروهی یک و نیم ساعته. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** انتخاب مربی یکی از مهمترین نکاتی که در فراگیری موسیقی باید به آن توجه نمود انتخاب مربی است . بهترین مربی کسی است که با حوصله و با تجربه باشد . دارای سواد آکادمیک باشد . اخلاقش با خلق و خوی شما نزدیک باشد . با نظم و آراسته باشد .( به خصوص برای آموزش کودکان )توجه داشته باشید که همواره برای تغییر مربی آماده باشید زیرا برای دوره های فراگیری متفاوت که در فصل بعد به آن اشاره میکنم لازم است که معلمان متفاوت را تجربه کنید . البته باید ذکر نمود که این تغیرات حتما باید طبق اصول و ضوابط خاص انجام شود و کارشناسی لازم در این مورد صورت گیرد . زیرا همانقدر که تغییر مربی در سطوح متفاوت مفید است ، به همان اندازه ، تغییر معلم در زمان نا مناسب بسیار مضر خواهد بود . زمان بندی دوره های فراگیری موسیقی برای یک ساز خاص، فراگیری کامل یک ساز به طور کلی به دوره های زیر تقسیم می شود : 1ـ مقدماتی 2ـ متوسطه 3ـ پیشرفته 4ـ استادی

ساز کوبه ای دف 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. ساختمان دف کلاف اصلی دف، بدنه‌ای استوانه‌شکل و کوتاه از جنس چوب است که در یک طرف آن استوانه، پوست حیوانات یا پلاستیک کشیده‌شده‌است(بهترین نوع دف، با پوست حیوانات و در فصل بهار ساخته می شود). ابتدا و انتهای قاب اصلی با برش زاویه‌دار (اصطلاحا برش فارسی) به هم چسبیده می‌شوند و ضخامت یک سمت از کلاف با تراشیدن چوب کمتر شده و پوست با سریش روی این لبه می‌چسبد و با گل‌میخ محکم می‌شود. ساختمان دف را می توان به اجزای زیر تقسیم کرد: • کلاف اصلی • پوست • حلقه‌ها • گل‌میخ‌ها
پس از آنکه تمبک مجلسی شد به تدریج جای دف را گرفت و از رونق دف کاست و دف را بیشتر در شهرهای کوچک و قصبات در مجالس عیش و سرور به کار می‌بردند به ویژه در کردستان و آذربایجان بسیار متداول بود و نوازندگان ماهر داشت. در سال‌های اخیر دف نوازی در بیشتر شهرهای ایران رایج‌تر شده است و هنر آموزان به آموختن آن روی آورده‌اند.[سیامک عزیززاده] از نوازندگانی است که ضمن رعایت نکات اصیل در دف نوازی، مقام ها را بطور کامل در کتاب[ آموزش دف از مبتدی تا عالی ] نت نویسی کرده است. این کتاب نخستین اثر خلاق آموزش دف در قالب قطعات می باشد. [هومن توتونچیان و امیر مقرب صمدی] از نوازندگان و معملین دف هستند که با شناخت روش آموزش موسیقی به کودکان و رعایت اصول دف نوازی، روش آموزش دف نوازی به کودکان را در کتاب [ راز دف: آموزش ریتم و دف نوازی به کودکان ] نت نویسی کرده اند.این کتاب نخستین اثر آموزش دف به کودکان بصورت مصور می باشد. از نوازندگان صاحب سبک آن می‌توان بیژن کامکار و مسعود حبیبی را نام برد که استاد کامکار نقش به سزایی را در شخصیت دادن به این ساز در موسیقی اصیل ایرانی ایفا کرده است و استاد حبیبی با ابداع شیوه مدرنی در نوازندگی این ساز آن را بصورت کاملا اصولی و تکنیکی مانند دیگر سازها در آورده است. نوازندگان دف : بیژن کامکار،عماد توحیدی،مهرداد کریم خاوری، مسعود حبیبی، احمد خاک طینت، سیامک عزیززاده،پژمان حدادی، پژهام اخواص، حافظ ناظری، سیاوش ناظری ، مهدی سنگی کرمانشاهی و ....

آموزش دوره کامل مبتدی و پیشرفته طبل 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. طبل نوعی ساز موسیقی از خانواده پرکاشن است که در رده سازه‌های کوبه‌ای قرار دارد. طبل تشکیل شده از حداقل یک پوسته، به نام پوسته طبل، که به منظور ایجاد صدا بر روی بدنه آن کشیده شده‌است. طبل یکی از قدیمی‌ترین و پرکاربردترین سازهای دنیا به شمار می‌رود، و طرح اولیه آن طی صدها سال بدون هیچ تغییری ثابت مانده‌است. دهانه بدنه که پوسته طبل بر روی آن کشیده می‌شود به طور ثابت دایره می‌باشد، اما شکلِ دیگر قسمت‌های آن بسیار گوناگون است. در موسیقی سنتی غرب، رایج‌ترین شکل آن استوانه است. سر دیگر طبل ممکن است باز باشد و یا روی آن هم پوسته کشیده باشند، که به آن طبل دوسر می‌گویند. معمولاً در بین دو سر این نوع طبل‌ها حفره‌ای ایجاد می‌کنند تا صدا تشدید شود. در گذشته طبل به جز کاربرد در زمینه موسیقی، در ارتباطات نیز کاربرد داشته، و بعضی مواقع از آن برای فرستادن پیام نیز استفاده می‌کردند.

آموزش دوره کامل موسیقی ساز تمبک 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. نوازندگان شاخص • حسین تهرانی • بهمن رجبی • محمد اسماعیلی • جهانگیر ملک • امیرناصر افتتاح • امیر بیداریان نژاد و از قدما می توان : ابوالحسن صبا ( معلمِ حسین تهرانی ) ، مسعود خان و عبدالله دوامی ، نام برد .

تدریس کامل ساز دهل مبتدی و پیشرفته 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. دُهُل نام یکی از سازهای کوبه ای موسیقی است. دهل طبلی بزرگ و دورویه‌ای که هر دو طرف آن پوستی از گاو یا گاومیش دارد، است. در متن‌های مختلف نام آن، داول، تاول و داوول آمده است. شکلی از آن به همراه سرنا در مناطق روستایی نواخته می‌شود. نوازنده، دهل را با ریسمانی که از شانه‌ها می‌گذرد به خود آویخته و با دو مضراب مختلف می‌نوازد. برخی گفته‌اند انتهای مضراب دهل، پارچه‌ای گلوله‌ای شکل دارد ولی دهل را از یک طرف با چوب کلفتی به نام چنگال و از یک طرف با چوب باریکتری به نام دیرک نوازند. البته در نواحی جنوبی ایران مانند هرمزگان و اطراف آن دهل را با دو دست می‌نوازند. دهل در خاورمیانه و بویژه ایران دارای گونه‌های فراوان محلی است. برای نمونه در جنوب ایران گونه‌های زیادی از دهل وجود دارد مانند پیپه، جفه، پونکه و تویری. ساز کوبه ای دوار و از نوع دوطرفه است که با یک چوب بزرگ به نام "چوگان" Chogan و یک چوب کوچک به نام "ترکه" Tarkeh نواخته می شود. گاهی به جای استفاده از چوگان و ترکه، آن را با دست می نوازند. به ویژه اگر اجرا در مکان سربسته باشد. دهل غالباً در کنار دو ساز سرنا و کرنا مورد استفاده قرار می گیرد. گونه ای از دهل های بزرگ تر در مناطق مرکزی ایران مانند یزد، اردکان و نایین ویژه آیین های سوگواری وجود دارند که بدون همراهی هیچ ساز ملودیک، مورد استفاده قرار می گیرند. دهل در مناطق مختلف ایران دارای اندازه های متفاوتی است. بزرگ ترین نمونه های آن را در مناطق کویری یزد، نایین و کاشان می توان یافت که منحصراً در آیین مذهبی عاشورا مورد استفاده قرار می گیرند و برای مردمان آن منطقه مقدس اند. دهل های رایج در کردستان اندازه ای متوسط دارند و نمونه دهل بختیاری کوچک تر از آن است. در برخی مناطق مانند سیستان هم، کاسه دهل در مقایسه با سایر نقاط ایران عمق زیادی دارد.

آموزش دوره های کامل دف 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. انتخاب مربی یکی از مهمترین نکاتی که در فراگیری موسیقی باید به آن توجه نمود انتخاب مربی است . بهترین مربی کسی است که با حوصله و با تجربه باشد . دارای سواد آکادمیک باشد . اخلاقش با خلق و خوی شما نزدیک باشد . با نظم و آراسته باشد .( به خصوص برای آموزش کودکان )توجه داشته باشید که همواره برای تغییر مربی آماده باشید زیرا برای دوره های فراگیری متفاوت که در فصل بعد به آن اشاره میکنم لازم است که معلمان متفاوت را تجربه کنید . البته باید ذکر نمود که این تغیرات حتما باید طبق اصول و ضوابط خاص انجام شود و کارشناسی لازم در این مورد صورت گیرد . زیرا همانقدر که تغییر مربی در سطوح متفاوت مفید است ، به همان اندازه ، تغییر معلم در زمان نا مناسب بسیار مضر خواهد بود . زمان بندی دوره های فراگیری موسیقی برای یک ساز خاص، فراگیری کامل یک ساز به طور کلی به دوره های زیر تقسیم می شود : 1ـ مقدماتی 2ـ متوسطه 3ـ پیشرفته 4ـ استادی

آموزش کلاس موسیقی مبتدی و پیشرفته ساز ویلن 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. یک جلسه خصوصی نیم ساعته است. یک جلسه گروهی یک و نیم ساعته. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** انتخاب مربی یکی از مهمترین نکاتی که در فراگیری موسیقی باید به آن توجه نمود انتخاب مربی است . بهترین مربی کسی است که با حوصله و با تجربه باشد . دارای سواد آکادمیک باشد . اخلاقش با خلق و خوی شما نزدیک باشد . با نظم و آراسته باشد .( به خصوص برای آموزش کودکان )توجه داشته باشید که همواره برای تغییر مربی آماده باشید زیرا برای دوره های فراگیری متفاوت که در فصل بعد به آن اشاره میکنم لازم است که معلمان متفاوت را تجربه کنید . البته باید ذکر نمود که این تغیرات حتما باید طبق اصول و ضوابط خاص انجام شود و کارشناسی لازم در این مورد صورت گیرد . زیرا همانقدر که تغییر مربی در سطوح متفاوت مفید است ، به همان اندازه ، تغییر معلم در زمان نا مناسب بسیار مضر خواهد بود . زمان بندی دوره های فراگیری موسیقی برای یک ساز خاص فراگیری کامل یک ساز به طور کلی به دوره های زیر تقسیم می شود : 1ـ مقدماتی 2ـ متوسطه 3ـ پیشرفته 4ـ استادی

آموزش کامل موسیقی مبتدی و پیشرفته ویلنسل 1397-06-19

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. ویلنسل(Violoncello) سازی زهی و آرشه‌ای از خانواده ویولن است. صدای این ساز در منطقه میانی سازهای این خانواده قراردارد. ویلنسل از ویولن و ویولا (ویلن آلتو) بزرگ‌تر است. در هنگام اجرا، این ساز در بین دو پای نوازنده قرار می‌گیرد و از طرفی دیگر، توسط میله‌ای که در انتهای آن وجود دارد روی زمین استوار می‌گردد. این ساز از خانواده سازهای زهی آرشه‌ای است . استفاده از این ساز در تک نوازی ها( سلو)، در گروه نوازی‌ها، از جمله در ارکسترهای مجلسی و ارکستر سمفونی متداول است. این ساز عضو ثابت در ارکسترها به صورت استاندارد می‌باشد که در بخش باس زهی‌ها قرار می‌گیرد. همچنین در بیشتر آنسامبل‌های دیگر نیز حضور دارد. کنسرتوها و سونات‌های فراوان برای ویلنسل نوشته شده است.

آموزش تدریس کامل کنترباس مبتدی و پیشرفته 1397-06-19

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. آرشه مقایسه آرشه فرانسوی (بالا) و آلمانی (پایین) برای نواختن کنترباس دو مدل آرشه توسط نوازندگان این ساز استفاده می‌شود : 1- آرشه آلمانی 2-آرشه فرانسوی از نظر ساختمان آرشه، در آرشه فرانسوی فاصله بین فراگ آرشه و چوب کمتر از آرشه آلمانی است .(آرشه فرانسوی شبیه به آرشه دیگر سازهای زهی میباشد). هرکدام از این دو نوع آرشه دارای تکنیک نوازندگی متفاوت میباشد.

تدریس دوره کامل موسیقی ساز ویلن 1397-06-19

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. یک جلسه خصوصی نیم ساعته است. یک جلسه گروهی یک و نیم ساعته. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** انتخاب مربی یکی از مهمترین نکاتی که در فراگیری موسیقی باید به آن توجه نمود انتخاب مربی است . بهترین مربی کسی است که با حوصله و با تجربه باشد . دارای سواد آکادمیک باشد . اخلاقش با خلق و خوی شما نزدیک باشد . با نظم و آراسته باشد .( به خصوص برای آموزش کودکان )توجه داشته باشید که همواره برای تغییر مربی آماده باشید زیرا برای دوره های فراگیری متفاوت که در فصل بعد به آن اشاره میکنم لازم است که معلمان متفاوت را تجربه کنید . البته باید ذکر نمود که این تغیرات حتما باید طبق اصول و ضوابط خاص انجام شود و کارشناسی لازم در این مورد صورت گیرد . زیرا همانقدر که تغییر مربی در سطوح متفاوت مفید است ، به همان اندازه ، تغییر معلم در زمان نا مناسب بسیار مضر خواهد بود . زمان بندی دوره های فراگیری موسیقی برای یک ساز خاص، فراگیری کامل یک ساز به طور کلی به دوره های زیر تقسیم می شود : 1ـ مقدماتی 2ـ متوسطه 3ـ پیشرفته 4ـ استادی

آموزش ساز گیتار الکتریک 1397-06-19

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. از نظر تعداد سیم‌ها : معمولاً گیتارهای الکتریکی شش سیم دارند. بعضی نیز دارای 12 سیم می‌باشند که هرجفت با یک نت کوک می‌شود، منتهی با اکتاوهای متفاوت، این گیتارها اکثراً در موسیقی فولک کاربرد دارند. گیتارهای 7 و 8 سیمی نیز وجود داردند که البته غیرمعمول هستند.

آموزش گیتار بیس 1397-06-19

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. دهه‌ی 1950 لئو فندر به کمک همکارش جورج فولرتن اولین گیتار بیس توپر الکتریکی را تولید کرد.گیتار فندر پرسیژن (Fender Precision Bass) و در سال 1951 معرفی شد و به یک مدل استاندارد صنعتی تبدیل شد.پرسیژن بیس یا P-bass از یک تخته سنگ نتراشیده ی ساده که به مدل تلکستر (Telecaster) با پیکاپ تک سیمپیچ شبیه بود به گیتاری با بدنه ی منحنی و لبه‌های تخت تبدیل شد که موجب راحتی نوازنده می‌شد. همچنین یک پیکاپ چهار قطبی (تک سیمپیچ)نیز روی آن سوار بود. پیکاپ چند تکه در سال 1957 معرفی شد.

کلاس های آموزش پیانو 1397-06-19

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** سبک موسیقی کلاسیک تقسیم بندی دوره های موسیقی کلاسیک تا حدی شبیه تقسیم بندی دوره های هنرهای دیگر در اروپاست ولی زمان این دوره ها برای هنرهای مختلف مقداری متفاوتند. به هر حال موسیقی کلاسیک را میشود به شش دوره تقسیم کرد. دوره اول دوره قرون وسطایی (به طور متوسط از قرن 6 تا 14) و دوره دوم یعنی رنسانس (قرن 15 و 16) آنچنان در موسیقی کلاسیک دارای اهمیت نیست (بر خلاف هنرهایی مثل نقاشی و معماری)، چرا که تحولات در زمینه سازها و همین طور ثبت آثار خیلی چشمگیر نیست. اما بعد از رنسانس، موسیقی کلاسیک همانند بقیه هنرها در اروپا به چهار دوره زمانی تقسیم میشود: سبک موسیقی اوایل کلاسیک که تا سال های 1770 را دربر می گیرد و شامل دو سبک روکوکو (Rococo) و اکسپرسیو (Expressive) است . سبک روکوکو خصوصاً در فرانسه نُزج گرفت و واژۀ فرانسوی سبک گالانت (Style Galant) اغلب به عنوان مترادف آن به جایش به کاربرده می شود. بانی سبک اکسپرسیو که بعداً رواج یافت, آهنگسازان آلمانی بودند و معادل آن در زبان آلمانی Empfindsamer Stil ) سبک حساس و باوقار ) است. این دو سبک حاصل و نتیجه ی اهمیت بخشیدن به دو صدای طرفین در موسیقی باروک است. امّا در قرن هیجدهم, خط باس اهمیت, رهبری و استقلال کنترپوانتیک خود را از دست داد و صرفاً حمایت کننده ی ملودی شد در حالی که صداهای میانی فقط پر کنندۀ هارمونی بودند. سبک روکوکو یا گالانت در مجامع باوقار اشرافی ظهور کرد و سبکی بسیار ظریف, دقیق, چابک, شوخ, آسان,پرجلال و شکوه بود. روکوکو همان شیوۀ زینت و آذین بیش از حد دوره ی باروک است ولی بدون بزرگی و عظمت. از سوی دیگر سبک اسپرسیو ( به معنی رسا و پر معنی ) در ارتباط بیشتری با طبقه ی متوسط جامعه قرار داشت و در کل سبک بورژواها بود . این سبک برخلاف روکوکو نه تنها پر طمطراق و پرزینت نبود, بلکه گاهی به طور عمد و اغراق آمیزی ساده بود . سبک دوره ی عظمت کلاسیک که در آن فرم ها و سبک ها اصولاً ثابت ماندند, آهنگسازان موقعیتی یافتند تا افکار و رویدادهایی را که از تخیلات آزادشان برمی خواست شکل دهند. تاریخ نویسان دوره ی عظمت کلاسیک را به دو دلیل مکتب " کلاسیک وین" نام نهادند: اول این که تمام آهنگسازان مهم در وین یا اطریش فعالیت کرده اند و دوم اینکه عوامل موسیقیایی وین ( یا اطریش ) در موسیقی سبک کلاسیک راه یافت و تأثیرات فراوانی بر آن به جای گذاشت . موسیقی کلاسیک را از نظر سبک و تحول تاریخی آن به چند دوره کوچک‌تر تقسیم کرده‌اند: در این دوره موسیقی‌دانان بیشتر از ادرکات حسی و تمایلات روحی خود در ساخت موسیقی و شکل دادن به سبکها بهره می‌‌بردند. دوره باروک ... دوره کلاسیک .... دوره رومانتیک .... دوره مدرن نوگرایی یا مُدرنیسم به معنی گرایش فکری و رفتاری به پدیده‌های فرهنگی نو و پیشرفته‌تر و کنار گذاردن برخی از سنت‌های قدیمی است. تقسیم بندی دوره های هنری - از جمله موسیقی - بعد از رونسانس چهار دوره اصلی در نظر گرفته میشود. اول سبک باروک (Baroque) که بطور تقریبی بین سالهای 1600 تا 1750 میلادی ادامه داشته، دوم دوره کلاسیک بین سالهای 1750 تا 1820 ، سوم رمانتیک بین سالهای 1820 تا 1910 و بالآخره موسیقی مدرن یا همین موسیقی عصر حاضر از 1910 تا به امروز. طبیعی است که این تاریخ ها تقریبی هستند و انتقال سبک موسیقی از یک دوره به دوره بعد طی یک دوران گذر اتفاق بوده است که در آن مدت هنرمندانی بوده اند که با سبک هایی بینابین ، آثار هنری خود را خلق میکردند. چهره های بزرگ این دوره ها شامل آهنگسازان اتریشی هایدن و موتسارت و آهنگساز آلمانی یعنی بتهوون هست. شاید موتسارت و بتهوون به همراه باخ سه چهره برتر کل تاریخ موسیقی کلاسیک باشند. هچنین آهنگسازان بزرگ دیگر نیز دراین دوره ها شهرت پیدا کردند به نام های: شوبرت،شوپن،شومان،برامس،یوهان اشتراوس،پاگانینی،روسینی، چایکوفسکی، بیزه، وردی، وگنر، لیست، مندلسون، البنیز، دورژاک، افن باخ، سن سان، گریگ، الگار، دبوسی، موسرگسکی، ریمسکی کورساکف و مالر از موسیقیدانان مشهور این دوره هستند.

دوره کامل آموزشی گیتار الکتریک 1397-06-19

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. اجزا گیتار برقی 1. سردسته (Head Stock): قسمت بالایی گیتار که سیم‌ها در آنجا تنظیم می‌شوند. 2. خرک بالا 3. پیچ‌های کوک یا گوشی‌ها (Tuning Switch): پیچ‌هایی که بر روی دسته گیتار قرار گرفته‌اند و با آن می‌توان گیتار را کوک کرد. 4 . پرده‌نما یا دستان (Fret): قطعه‌های فلزی که بر روی دسته گیتار قرار دارد و پرده‌های موسیقی را از هم جدا می‌کند. 5. تنظیم کننده دسته (truss rod): برای تنظیم و تثبیت دسته 6 . علامت‌های روی دسته 7 . دسته (Neck): قسمت بلند و باریک گیتار است که جای انگشت‌گذاری نوازنده برای انتخاب نت‌ها است. این بخش بین بدنه و سر دسته گیتار قرار دارد. 8. اتصال دسته به بدنه 9. بدنه: قسمت اصلی گیتار است که به دسته متصل شده و برخلاف گیتار آکوستیک معمولاً توخالی نیست و بخش‌هایی مانند پیک‌آپ و خرک بر روی آن قرار دارد. 10 . زخمه‌گاه (Pick up): یک سیم‌پیچ مغناطیسی است که بر روی بدنه گیتار و زیر سیم‌ها قرار دارد و وقتی سیم‌ها بر اثر پیک زدن مرتعش می‌شوند تحت تأثیر میدان مغناطیسی پیک‌آپ قرار می‌گیرند و این تحریک به آمپلی‌فایر فرستاده می‌شود و سپس آنجا تقویت می‌شود. 11. کنترل صدا و تن: پیچ‌هایی که بر روی بدنه گیتار قرار گرفته‌اند و می‌توانند صدا و تن گیتار را تغییر دهند. 12. کلید زخمه‌گاه (Pick up Switch): یک تعویض کننده که بر روی بدنه گیتار قرار گرفته و برای تعویض پیک‌آپ و تغییر دادن تُن و صدا بکار می‌رود. 13. محافظ پیک (Pickguard): صفحه‌ای است که از زخمی شدن بدنه به‌وسیله پیک جلوگیری می‌کند. 14. خرک (Bridge): ناحیه‌ای است بر روی گیتار که سیم‌های گیتار بر روی آن قرار می‌گیرند. 15. لرزانه (Tremolo): میله‌ای که روی بعضی گیتارها قرار دارد و به خرک متصل شده. با حرکت دادن آن به بالا و پایین خرک حرکت می‌کند و باعث زیر و بم شدن صدا می‌شود. به آن اصطلاحا دسته ویبراتو (Vibrato) نیز گفته می‌شود (در این تصویر نیست.)

آموزش کلاس گیتار کودکان و بزرگسالان 1397-06-19

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. یک جلسه خصوصی نیم ساعته است. یک جلسه گروهی یک و نیم ساعته. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** تاریخچه آموزش موسیقی به کودک در دنیا آموزش موسیقی به کودکان نیاز به روشهای وِیژه دارد، آنها هنر فراگیری را نمی دانند. بطور کلی چندین روش بعنوان روشهای آموزش موسیقی کودک در دنیا وجود دارد که در حقیقت تدوین این روشها از ابتدای قرن بیستم بنا به ضرورت و نیاز به روشهای موثر و مفید آموزشی و وجود آشفتگی و سردرگمی فراوان در امر آموزش موسیقی کودک بوجود آمده است. اولین کسی که به تدوین روشهای صحیح و کامل موسیقی پرداخت یک پزشک ایتالیایی بنام "کلودید مونته سوری " (Claudio Montessory) می باشد، که حرفه اصلی او موسیقی نبود و اطلاعات زیادی در این مورد نداشته است. بعد ها افراد دیگری که بیشتر آنها از اهالی سوئیس بودند با بکارگیری شیوه های علمی تر دامنه وسیعتری را در این زمینه بوجود آورند. مانند: "امیل ژاک دالکروز (Emile Jaqucs Dalcroze 1865 -1950)، "کارل ارف (Karl Orff 1895-1982)، "زلتان کدای (Zoltan Kodaly) که سیستم مجارستانی را ابداع نمود. البته باید متذکر شویم که همگی آنها در یک محدوده جغرافیایی زندگی می کردند. بعد از دو یا سه نسل، "ادگار ویلمز" (Edgar Willcms) و "مارتینو (Martinoe) سیستمهای جدیدی را بنیانگذاری نمودند، و تحول چشمگیری در عرضه آموزش موسیقی کودک بوجود آوردند. خاتمه جنگ جهانی دوم، مصادف بود با پیدایش دو سیستم متفاوت در دو منطقه دنیا، یکی سیستم "سوزوکی" (Suzuki Shinchi 1898-1998) در ژاپن و دیگری سیستم "مانهاتان" (Manhatan Vill) در ایالات متحده آمریکا. این هشت روش تا امروز هر کدام بنحوی اجرا شده و هر یک ویژگی خاص خود را دارا می باشد. در اینجا به بررسی هر یک از این روشها می پردازیم: کودید مونته سوری : همانطور که گفته شد او یک پزشک بود که به هیچ وجه موسیقی نمی دانست. وی در سال 1907 "خانه کودکان" را برای کودکان 3 تا 7 ساله تاسیس نمود و سعی کرد مسائل آموزشی تربیتی کودکان معلول را مطرح کند و از همین طریق به موسیقی دست یافت. بنابراین، آراء نظرات "مونته سوری" اصلا" موسیقیایی نبودند، بلکه تعلیم و تربیتی بودند. مونته سوری معتقد بود کودک باید در فرایند آموزشی خود عامل فعالی باشد یا باید به او عنوان یک عامل فعال در فرایند آموزشی خود نگاه کرد. کودک کسی نیست که فقط در معرض اتفاقات قرار گیرد، بلکه کسی است که باید بوسیله اراده اش اتفاقات را بوجود آورد. به همین خاطر ما باید دائما" ساختمان تجربه مداومی را پی ریزی کنیم، چون کودک در هر لحظه ممکن است حرکت متفاوتی را انجام دهد. پس روش آموزش به خود کودک بستگی دارد. اولین نتیجه ای که می توان از این روش گرفت این است که فرآگیری کودک بسیار آزاد است و آنرا در هیچ سیستمی نمی توان محدود کرد و به عقیده او اشیاء بهترین مربیان هستند. او محیطی را بوجود آورد که در آن اشیاء همگی واقعی هستند، یعنی هیچ اسباب مصنوعی وجود ندارد. مونته سوری معتقد است کودک را نباید رها کرد بلکه مربی باید گام به گام با او حرکت کند. البته نه اینکه مثل کودکان رفتار کند، ولی حتی الامکان سعی نماید بیاموزد که چگونه با کودک رفتار کند. مونته سوری پس از همکاری با دوست موسیقیدانش "ماچرونی" (Maccriaronni) ساس دوره های آموزشی خود را بر مبنای درک مفاهیم موسیقی بنیانگذاری کرد. ابتدا صدا ها را دسته بندی نمود و با شیوه های مختلف کودکان را آزمود و تمریناتی را در جهت دقیق شنیدن صداها بعنوان برترین نمود آموزش موسیقی پایه ریزی کرد و معتقد بود بسیاری از فعالیتهای صدایی و غیر صدایی باید به آواز خواندن منجر شود. یعنی بچه ها صداهایی را که می شنوند باید بخوانند. نکته مهم دیگری که در روش مونته سوری حائز اهمیت است، حرکات ریتمیک است که باعث پرورش و رشد جسمانی کودک می شود. برای این منظور نیز "ماچرونی" با تغییر سرعت در قطعاتی که توسط پیانو می نواخت به کودکان می آموخت که چگونه به صداهای مختلفی که با سرعتهای متفاوت اجرا می شوند عکس العمل نشان دهند. علی رغم نکات مثبتی که در روش مونته سوری وجود داشت، بسیاری از نقطه نظرات او به زودی به فراموشی سپرده شد. چراکه او به کار گروهی اعتقادی نداشت و تجربیاتش بسیار فردی بود. ولی یک نقطه نظر اساسی مونته سوری هیچگاه از یاد نرفت و آن هم این بود : "بچه ها باید بیاموزند چگونه بیاموزند!؟"

ساز ترومپت 1397-06-19

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. یک جلسه خصوصی نیم ساعته است. یک جلسه گروهی یک و نیم ساعته. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** تاریخچه سازهای بادی از اولین آلات موسیقی بودند که به دست بشر ساخته شدند. انسان‌های قرون گذشته آموخته بودند که با دمیدن در مخروط، برگ، یا حتی شاخ حیوانات می توانند صدایی بلند و بوقی مانند تولید کنند. آن‌ها با استفاده از این دانش به ساختن آلات موسیقی کنونی پرداختند.ریشه سازهای بادی کنونی از همان سازهای بادی اولیه است که از نظر ساختمان و چگونگی تولید صدا به دو دسته کلی تقسیم می شود: • سازهای بادی چوبی • سازهای بادی برنجی تقسیم بندی سازهای بادی سازهای بادی چوبی خود به سه دسته تقسیم میشوند : • سازهای بادی چوبی بی زبانه • سازهای بادی چوبی تک زبانه • سازهای بادی چوبی دو زبانه اصطلاح "چوبی" و یا "برنجی" بدان معنا نسیت که آن ساز از چه جنسی ساخته شده، بلکه این طبقه بندی بر پایه چگونگی و نحوه تولید صدا در دهنی آن‌ها مربوط می‌شود. مثلاً فلوت جزءسازهای بادی چوبی محسوب می‌گردد، هرچند که بدنه آن از فلز است. یا فلوت ریکوردر که در گذشته بسیار رایج بود و از چوب ساخته می‌شد و امروز برای آموزش موسیقی به کودکان رواج دارد و از پلاستیک ساخته می‌شود ولی جزو سازهای بادی چوبی است.

تدریس مبتدی و پیشرفته سنتور 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. یک جلسه خصوصی نیم ساعته است. یک جلسه گروهی یک و نیم ساعته. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** نوازندگی سنتور نوازندگی سنتور با دو چوب نازک که به آنها «مضراب» گفته می‌شود، انجام می‌شود. مضراب ها در گذشته بدون نمد بودند ولی اکنون بیش‌تر به مضراب ها نمد می‌چسبانند که باعث نرمتر شدن و کم زنگ تر شدن آوای سنتور می‌شود. در اکثر اوقات، نوازنده باید با هر یک از مضراب ها، نت متفاوتی را اجرا کند (به ویژه در برخی از چهارمضراب ها که بیش‌تر پایه قطعه با دست چپ و ملودی با دست راست اجرا می‌شود). به همین دلیل نوازندگی این ساز علاوه بر چابکی دست‌ها، به تمرکز ذهن نیز نیاز دارد که تنها با آزمون فراوان بدست می‌آید. سنتور سازی است که اگر نوازنده بر آن چیره شود، می‌تواند با آن کارهای زیبا و ماندگاری بیافریند. این ساز به خوبی توانایی تکنوازی و همنوازی را دارا می‌باشد. برابر نیمه زندگانی آزمون سنتورنوازان، به کوک کردن آن می‌گذرد. چون کوبه‌های مداوم مضراب روی سیم‌ها و تاثیر گذاری نم و گرما روی چوب و سیم‌ها کوک را به هم می‌زند و 72 سیم باید مرتب کوک یا هم خوان شود، از این رو سنتور، سازی شناخته می‌شود که همراه با زیبایی، بسیاری از پیامدهای پزشکی می‌تواند روی آوا و کوک آن تاثیر بگذارد و حتی نوازنده‌های کارکشته را برای یک کوک دلخواه ناکام می‌گذارد.

هفت قطعه برای ویلن و پیانو 1397-06-14

تالیف : خلیل ا.. واعظی اقتباس گرفته شده از صفر تا سفر. ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد.

کامل ترین کتاب آموزش اُرف به همراه کلام و سلفژ 1397-06-14

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. این کتاب اصول و مبانی آموزش گام به گام موسیقی کودک و نوجوان مبتنی بر شیوه اُرف به همراه کلام و سلفژ در قالب ملودی و شعر برای سنین 3 تا 12 سال تدوین شده است که برای نخستین بار ساز شناسی و پوزوسیون طی دروس و تمرین هنر جویان آموزش و در پایان دوره صفحاتی برای آزمون هنرجو و گواهی پایان دوره اختصاص داده شده است.

آموزش تئوری موسیقی 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** تئوری موسیقی پایه بخش اول: کلیات (صوت و ویژگی ها و انواع آن ـ صوت موسیقیایی و ویژگی های آن - الفبای موسیقی و نام نت ها ـ حامل و انواع آن - کلیدها و بخش های صدایی ـ دیرند نت ها و ریتم ـ وزن و ضرب ـ عدد میزان های ساده + ترکیبی ـ تاکید - ...) بخش دوم: فواصل موسیقیایی (پرده و نیم پرده ـ علائم ترکیبی و عرضی ـ فواصل ترتیبی ـ فواصل خوشایند و ناخوشایند - ...)، گام های موسیقیایی (تعریف گام ـ گام های کروماتیک ـ مد گام های دیاتونیک ماژور ـ سری دیز ها و بمل های گام های دیاتونیک ماژور ـ مد گام های دیاتونیک مینور ـ سری دیزها و بمل های گام های دیاتونیک مینور ـ گام های مینور تئوریک، هارمونیک و ملودیک - گام های نسبی مینور و ماژور ـ دایره ی پنجم ها - ...) بخش سوم: تاریخچه ی حامل و کارکردهای آن، تکمیل بحث گام ها (مدهای قرون وسطی و باروک)، انتقال و مدولاسیون، تکمیل مباحث ریتمیک و متریک (عدد میزان های لنگ و مخلوط و... ـ وزن گزینی)، مقدمه ای بر آکورد شناسی* (تعریف آکورد ـ آکوردهای سه صدایی/تریادها ـ انواع آکروهای سه صدایی ـ حالت های آکوردهای سه صدایی ـ چهاربخشی کردن آکوردهای سه صدایی ـ آشنایی اجمالی با دیگر انواع آکوردها)، آشنایی با هارمونی از جمله بحث های تئوری موسیقی پیشرفته می توان به موارد زیر اشاره کرد که عموما دارای بخش های عملی نیز می باشند: هارمونی ـ کنترپوآن ـ مبانی آهنگسازی ـ سازشناسی ـ ارکستراسیون ـ فرم های موسیقی ـ اصول رهبری ارکستر و ...

آموزش ارف 1397-06-18

ساعات کلاس ها هر روز از ده صبح تا ده شب می باشد. ساعات کلاس ها به انتخاب خود هنرجو می باشد. هفته ای دو جلسه تشکیل می شود. **آموزش همه کلاس ها توسط اساتید مجرب ** موسیقی می‌تواند میزان ضریب هوشی کودکان و بزرگسالان را افزایش دهد پژوهشگران می گویند نتایج تحقیقات گوناگون نشان می دهد که موسیقی می‌تواند میزان ضریب هوشی را در میان کودکان و بزرگسالان تا ۷ درجه افزایش دهد. دانشمندان با انجام تحقیقاتی ادعا کرده‌اند افرادی که می‌توانند یک ساز موسیقی را بنوازند باهوشترند، زندگی اجتماعی بهتری دارند و در تحصیلات خود موفق‌ترند. تحقیقات جدید نشان می‌دهد افرادی که به طور منظم یک ابزار موسیقی را می‌نوازند بعد از مدتی شکل و قدرت مغز خود را تغییر می‌دهند که این عامل در نهایت می‌تواند به بهبود مهارتها و تواناییهای ادراکی آنها منجر شود. حتی نواختن موسیقی می‌تواند میزان ضریب هوشی را در میان کودکان و بزرگسالان تا ۷ درجه افزایش دهد. محققان در این باره اعلام کردند: شواهد نشان می‌دهد مغز موسیقی‌دانان از لحاظ ساختار و عملکرد با افرادی که با موسیقی آشنایی ندارند تفاوتهای زیادی دارد. نواختن موسیقی سبب می‌شود قسمتهای خاصی از مغز که وظیفه پردازش و نواختن یک آهنگ خاص را دارند تقویت شوند. این قسمتها همچنین وظایف دیگری مانند تواناییهای حرکتی، مهارتهای شنیداری و ذخیره‌سازی اطلاعات را دارند و زمانی که فردی شروع به آموختن نواختن یک ساز می‌کند این قسمتها به طور قابل توجهی رشد کرده و عملکرد آنها طی دوران آموزش روز به روز بهتر می‌شود. لوتز جانک، روانشناس دانشگاه زوریخ، در این‌باره گفت: «آموختن موسیقی بدون شک فواید زیادی برای مغز انسان دارد تا جایی که می‌تواند ضریب هوشی (IQ) فرد را تا ۷ امتیاز افزایش دهد. ما در بررسی‌های خود متوجه شدیم که حتی افراد بالای ۶۵ سال‌ هم، ۴ یا ۵ ماه بعد از شروع به آموزش نواختن یک ساز تغییرات زیادی در مغزشان به وجود می‌آید. حتی چند هفته بعد از شروع آموزش موسیقی نشانه‌های مثبتی در مغز سالمندان دیده می‌شود که این تغییرات در نهایت سبب می‌شود سالمندان ابتلا به بیماری‌های مغزی مانند آلزایمر را به تأخیر بیندازند و حتی از بروز بعضی از فلجی‌ها که به خاطر کاهش عملکردی مغز به وجود می‌آید پیشگیری می‌شود.»موسیقی روی هر دو نیمکره مغزی انسان تأثیر‌گذار است و باعث تقویت هر دو بخش می‌شود. قسمتهایی از مغز افرادی که موسیقی می‌نوازند و وظیفه کنترل قدرت شنیداری، حافظه و قسمتهایی که وظیفه کنترل دستها را دارند در حین آموزش موسیقی به بهترین شکل تمرین داده می‌شوند و تقویت می‌شوند. موسیقی به دو شکل می‌تواند به بهبود وضع جسمی و روحی فرد کمک کند به طوری که در فرد شنونده باعث تحریک واکنش‌های عاطفی و ذهنی فرد می‌شود و در فرد نوازنده که خود نیز در ایجاد موسیقی فعال است، علاوه بر تحریک عواطف موجب تقویت ارتباط جسم و ذهن شده و به هماهنگی این ارتباط در بدن کمک می‌کند. از آنجایی که نواختن موسیقی به صورت گروهی یا فردی انجام می‌شود و تأثیر آن نیز بر روح متفاوت است بنابراین تأثیر نواختن و یا شنیدن آن می‌تواند غمگین کننده، اضطراب آور یا نشاط بخش و آرام‌کننده باشد. جانک در ادامه گفت: «در مورد کودکان ما متوجه شدیم یاد گرفتن موسیقی به آنها نظم و توجه بیشتر و برنامه‌ریزی را می‌آموزد که همه این تواناییها برای بهبود عملکرد این کودکان در طول دوران تحصیل آنها در مدرسه و دانشگاه بسیار مفید است. کودکانی که موسیقی را فرا‌می‌گیرند با سرعت بیشتری می‌توانند خود را با آموزش زبان… دوم تطبیق دهند و کلمات را مدت زمان بیشتری در ذهن خود نگاه دارند. البته نواختن موسیقی تنها روش برای تقویت این مهارتها نیست، اما ما مطمئنیم این روش میتواند درکنار دیگر متدها کمک مؤثری به انسانها کند. زمانی که شما در حال آموزش موسیقی هستید باید نت‌های موسیقی را بیاموزید، زمانبندی‌ها را رعایت کنید و بتوانید صداها را بهتر به ذهن خود بسپارید. تقویت همین مهارتها به شما کمک می‌کند زبانهای جدید را بهتر بیاموزید و کلمات را مدت طولانی‌تری در ذهن خود به خاطر بسپارید. موسیقی آن چنان تأثیری روی انعطاف‌پذیری مغز دارد که ما به دنبال استفاده از آن برای کمک به بیماران ذهنی هستیم و تحقیقات زیادی در مورد علم موسیقی – درمانی هم‌اکنون در نقاط مختلف جهان در حال انجام است.» از طرف دیگر، قرار گرفتن کودکان درمعرض موسیقی حال چه آنها موسیقی را بنوازند وچه به آن‌ گوش بدهند اثرات بسیار مفیدی روی قدرت شنیداری آنها دارد. محقق دونالد هاگس، استاد دانشگاه کارولینا، دراین باره گفت: «هیچ چیزی مانند موسیقی نمی‌تواند همه قسمت‌های مغزی را فعال کند. زمانی که کودکان با موسقی آشنا می‌شوند قسمت‌های زیادی از مغز آنها به طور همزمان تقویت می‌شوند که از جمله آن می‌توان به مرکز زبان‌آموزی و محاسباتی اشاره کرد. کودکانی که موسیقی گوش می‌دهند قدرت شنیداری آنها به طورقابل توجهی افزایش پیدا می‌کندکه همین عامل سبب می‌شود مهارت‌های زبان‌آموزی آنها رشد چشمگیری داشته باشد. این کودکان بهتر می‌توانند الگوهای زبانی را تقلید کرده و فراز و فرودهای خاص هر زبان را تحلیل کنند که همه این مسائل به بهترین شکل می‌توانند روی مهارت‌های زبان‌آموزی تأثیر مثبت داشته باشد. جالب این‌جاست که هیچ‌گاه برای آشنا کردن کودکان با موسیقی دیر نیست. تحقیقات نشان داده که کودکان حتی قبل از تولد نیز می‌توانند به صدای موسیقی گوش داده و آن را به خاطر بسپارند. کودکانی که موسیقی می‌آموزند در امتحاناتی که رابطه مستقیم با قدرت شنیداری دارند نتایج بسیار بهتری می‌گیرند. هرچه زمانی که کودکان در طول هفته به یادگیری موسیقی اختصاص می‌دهند بیشتر باشد به همان میزان قدرت شنیداری آنها نیز بیشتر است. بررسی‌ها نشان می‌دهد کودکانی که قبل از شروع امتحانات خود به موسیقی‌های اجرا شده توسط موتزارت گوش می‌دهند در امتحانات نتایج بهتری می‌گیرند. این نتایج به خصوص در درس ریاضیات بیشتر به چشم می‌خورد که نشان از تأثیر مثبت موسیقی در قدرت پردازش مغزی دارد. موسیقی همچنین می‌تواند روی رفتار کودکان تأثیر مثبتی داشته باشد به طوری که کودکان زمانی که به شکل گروهی اقدام به آموزش موسیقی می‌کنند با مفاهیمی مانند همکاری، بردباری و نظم گروهی آشنا شده و آنها را به طور عملی می‌آموزند. نواختن موسیقی به شدت حس اعتماد به نفس کودکان را افزایش می‌دهد.زمانی که کودکی قادر به نواختن یک ساز خاص است از طرف دیگران مورد تحسین واقع می‌شود و همین عامل تأثیر بسیار شگرفی در بالا رفتن اعتمادبه‌نفس در میان کودکان دارد.

تاثیر موسیقی در کودکان 1397-06-18

موسیقى كلاسیك و تأثیر آن بر كودكان:جنین انسان، پس از گذشت 20 هفته از تشكیل نطفه مى تواند صداهاى خارج و موسیقى را بشنود. تحقیقات به عمل آمده نشان مى دهد آنها مى توانند آنچه را كه در محیط رحم مادرشان مى شنوند، پس از 12 ماه از تولد به خاطر آورند و در برابر آن واكنش نشان دهند. موسیقى كلاسیك و تأثیر آن بر كودكان:جنین انسان، پس از گذشت 20 هفته از تشكیل نطفه مى تواند صداهاى خارج و موسیقى را بشنود. تحقیقات به عمل آمده نشان مى دهد آنها مى توانند آنچه را كه در محیط رحم مادرشان مى شنوند، پس از 12 ماه از تولد به خاطر آورند و در برابر آن واكنش نشان دهند.

چه نوع موسیقى براى كودكان بهتر است؟ دكتر لامونت مى گوید: هر نوع موسیقى كه خودتان دوست دارید، قابل اجرا است و مى توانید از آن نیز براى جنین و یا كودك خود استفاده كنید ولى ترجیحاً آرامش بخش باشد. لازم به ذكر است، فركانس هاى بم و باس بهتر مى توانند در مایع درون رحم به حركت درآیند و براى جنین قابل شنیدن باشند.

موسیقى چه تأثیرى برجنین مى گذارد؟ در آزمایشهاى انجام شده روى یك خواننده اپرا به نام «كاترین سنگلتن» ((Kathryn Singleton)) اپرا، مشخص شد ضربان قلب كودك را تغییر مى دهد واین امر زمانى كه تنالیته وریتم موسیقى عوض مى شود، كاملاً محسوس است. لذا استفاده از موسیقى هاى كلاسیك بخصوص موسیقى موتسارت تأثیر بسزایى بر كودك وجنین دارد. یك خواننده پاپ اعتقاد دارد موسیقى را كه درزمان باردارى همسرش براى پسرشان اجرا كرده است، ماهها بعد از فراغت همسر از زایمان برفرزندشان تأثیرگذارده است. او مى گوید: قبل از آنكه پسرمان متولد شود ، بارها از یك موسیقى مشخص استفاده كردم. بعدها زمانى كه كودكمان 4 ماهه شد، هنگامى كه گریه مى كرد، با گوش دادن وشنیدن این آهنگ لبخند مى زد وساكت مى شد» . دكتر لامونت عقیده دارد؛ اگر درسه ماه آخر باردارى از یك موسیقى مشخص «ترجیحاً كلاسیك» براى جنین استفاده شود، او دریك سالگى با شنیدن آن واكنش نشان مى دهد وموسیقى را درك مى كند. به عقیده كاترین سنگلتن تأثیر موسیقى كه كودك دررحم مادر خود بارها گوش مى دهد حتى بیش از 12ماه است. او مى گوید: زمانى كه درماه پنجم باردارى خود بودم درحال اجراى قطعه موسیقى اى بودم وفرزندم درتمام این مدت این قطعه را مى شنیده است. هنگامى كه كودكم 5 سال داشت بار دیگر این قطعه را اجرا كردم و او به مدت 3 ساعت بدون آنكه كوچكترین حركتى از خودنشان دهد یا خسته شود به این اجرا گوش مى داد. موسیقى حتى پس از تولد كودك و بخصوص تا قبل از سن 7 سالگى نیز تأثیر بسیار زیادى درپرورش هوش وحافظه كودكان دارد. درسال 1993 دو فیزیكدان متخصص درامر پرورش وحافظه به نامهاى گوردون شاو Gorden shaw و فرانسیس رایچر Frabcix Rausche 10 دقیقه از ابتداى سونات نابغه بزرگ موسیقى كلاسیك ولفگانگ آمادئوس موتسارت را براى گروهى از دانشجویان دانشگاه كالیفرنیا اجرا كردند ونتیجه اى كه یافتند، افزایش موقتى حافظه آنها بود. دررابطه با این تأثیر باید بگوییم والدین آمریكایى براین باورند كه براى افزایش هوش وحافظه فرزندان از موسیقى هاى كلاسیك استفاده شود. درسال 1998 درایالت جورجیاى آمریكا دولتمردى به نام زل میلر ((Zell miller)) جهت جمع آورى یك CD از آثار كلاسیك تحت عنوان ((حافظه فرزندان خود را با موسیقى بسازید)) 105‎/000 پوند سرمایه گذارى كرد و به كلیه نومادرانى كه دربیمارستان ها درانتظار زایمان بودند ویا فارغ شده بودند ، یك نسخه از این CD را هدیه كرد. برخى از مردم به این عقیده اند كه تنها با گوش دادن به موسیقى تأثیرى بر روى كودكان صورت نمى گیرد بلكه باید ساز مشخصى را آموخت. یك مادر انگلیسى صاحب دو فرزند دختر مى گوید:پدر من در آمریكا تحصیل كرده و كتابهاى زیادى درباره روانشناسى كودكان خوانده است، او همیشه مى گفت: به موسیقى گوش كنید ولى بیشتر به موسیقى كلاسیك و از همه بیشتر به موسیقى موتسارت چه براى فرزندانتان، چه براى خودتان و چه براى جنین! دلیل آنكه تأكید بسیار زیادى بر موسیقى موتسارت بخصوص براى جنین شده است آن است كه ریتم موسیقى او 60 بار در یك دقیقه است كه ضربان قلب كودك نیز با این ریتم برابرى مى كند و بسیار شبیه و همگون است و به همین جهت موسیقى موتسارت تأثیر بسیار زیادى برجنین و كودك مى گذارد. همانطور كه قبلاً هم گفتیم آرامش و موسیقى كلاسیك در روحیه كودك و جنین تأثیر مثبت بیشترى دارد، تا یك موسیقى پر تلاطم و خشن اگر چه انواع مختلف موسیقى بر روى كودكان تأثیر خاص خود را مى گذارد، در مورد ریتم موسیقى باید بگوییم كه ما مى توانیم از برخى از موسیقى هاى راك یا پاپ و یا جاز كه با ریتم كلاسیك همگام باشند نیز استفاده كنیم. در مطالعه اى كه دكتر رایچر و همكارانش در آمریكا به عمل آوردند، نشان داده شده است كه درسهاى موسیقى و ارتباط دادن آنها با سازهاى گوناگون تأثیر بسزایى در هوش كودكان خواهد گذاشت.

منبع : ماهنامه موسیقی مقام

فراگیری موسیقی کودکان 1397-06-19

ریکوردر یکی از مناسبترین سازها برای شروع آموزش موسیقی به کودکان است. بدون تردید همه ما انسانها به موسیقی علاقه دایم و توانایی یادگیری آواز خوانی و حتی نواختن ساز را کم و بیش دارا هستیم. بخصوص هنگام نوجوانی این علاقه فطری برای یادگیری بیشتر در درون ما جلوه میکند. ریکوردر یکی از مناسبترین سازها برای شروع آموزش موسیقی به کودکان است. بدون تردید همه ما انسانها به موسیقی علاقه دایم و توانایی یادگیری آواز خوانی و حتی نواختن ساز را کم و بیش دارا هستیم. بخصوص هنگام نوجوانی این علاقه فطری برای یادگیری بیشتر در درون ما جلوه میکند. بسیاری از پدران و مادران که در دوران کودکی و نوجوانی توفیق یادگرفتن یکی از شاخه های هنر موسیقی را نداشته اند، هم اکنون با علاقه به موسیقی گوش می دهند و در عوض سعی میکنند تا فرزندان خود را از فراگیری این هنرروح نواز محروم نکنند.

کدام ساز اولین سوال برای هنرآموز یا والدین او این است که کدام ساز را آموزش ببیند و یا اینکه به رشته خوانندگی قدم بگذارد؟ کارشناسان آموزش موسیقی معتقد هستند که : "نوع ساز به هیچ وجه مهم نیست، نباید انتظار داشته باشید که فرزند شما همانند فلان موسیقی دان مهارت ساز زدن پیدا کرده و الگوهای قدیمی را دنبال کند. مهم آن است که فرزند شما بتواند با ساز انتخابی ارتباط برقرار کند و بتواند نوآوری های جدیدی در نواختن یا استفاده از ساز داشته باشد، موفقیت یعنی همین." امروزه اغلب کودکان با سازهایی مانند ویلن، ریکوردر و یا پیانو در شاخه غربی و با سازهایی چون سه تار و سنتور در شاخه ایرانی کار را آغاز می کنند. اما نکته مهم آن است که بتوان در مدت فراگیری، تشخیص داد که آیا کودک با ساز خود ارتباط لازم را برقرار کرده یا خیر؟ اگر کودک شما بی صبرانه منتظر فرا رسیدن زمان کلاس خود می شود و یا اغلب با ساز خود خلوت می کند شک نکنید که انتخاب درستی انجام داده اید.

مشخص کردن علاقه فرزند آموزش پیانو هنگامی آغاز می شود که کودک به ساز تسلط نسبی داشته باشد. برای پیدا کردن اینکه فرزند شما به چه سازی علاقه دارد و یا از چه سبک موسیقی بیشتر لذت میبرد، بکار بردن پیشنهادهای زیر می تواند مفید واقع شود : ▪ امکان گوش دادن و مشاهده نحوه نواختن انواع سازهای ممکن را بدون آنکه او متوجه شود شما هدف خاصی را دنبال می کنید برای او فراهم نمایید. ▪ هنگامی که با هم از رادیو ضبط به موسیقی گوش می دهید و یا به کنسرت رفته اید راجع به سبک موسیقی کلاسیک، اصیل، پاپ و ... با او صحبت کنید. ▪ فقط به فکر انتخاب ساز نباشید، موارد دیگری نیز مهم است. بعنوان مثال هنرجویان کودک گیتار بیس به مراتب کمتر از هنرجویان کودک فلوت یا ریکوردر هستند. ممکن است با فرستادن فرزند خود به کلاس گیتار بیس که به احتمال زیاد خلوت است ذوق موسیقی در او کمرنگ شود حال آنکه اگر به کلاس فلوت فرستاده می شد به علت شرکت بیشتر هم سن و سالهای او، علاقه به موسیقی در او متبلورتر می گشت. ▪ قبل از قول دادن به کودک که فلان ساز را برایش خواهید خرید از قیمت آن مطلع شوید تا با بودجه شما هماهنگی داشته باشد. ▪ به احتمال زیاد فرزند شما در اوایل کار از دشوار بودن یادگیری شکایت خواهد کرد، توجهی نکنید و تنها سعی کنید او را تشویق به یادگیری کنید. ▪ تجربه نشان داده است که سازهایی مانند ریکوردر یا پیانو برای شروع کار کودکان مناسبتر هستند و برعکس سازهای مضرابی یا آرشه ای دشوار تر، لذا جز در موارد خاص سعی نکنید که این قانون را زیر پا بگذارید. پس از چند سال تمرین و آشنایی با موسیقی فرزند شما می تواند ساز اصلی خود را انتخاب کند. ▪ علاوه بر همه موارد بالا باید دقت کنید که آیا در منزل خود فضای نگهداری ساز را دارید یا خیر؟ و اینکه سر و صدایی که این ساز ایجاد خواهد کرد آیا ممکن است مزاحم زندگی دیگران شود؟ شاید قبول نکنید ولی همین موضوع اخیر می تواند مانع تمرین و پیشرفت فرزند شما شود.

آیا فرزند شما آماده فراگیری موسیقی است؟ آموزش ویلن از حدود شش سالگی با سازهای کوچکتر از سایز معمول آغاز می شود. بسیاری از اساتید موسیقی معتقد هستند که اگر فرزند خود را زودتر از آنچه لازم است به کلاسهای موسیقی بفرستید ممکن است، استعداد موسیقی آنها را برای همیشه کور کنید. کودک ممکن است در صورت برخورد با دشواری های فراگیری ساز نا امید شود و اعتماد بنفس خود را برای مدت زیادی از دست دهد، این امر می تواند برای او در سایر زمینه های زندگی از جمله مدرسه نیز مضر باشد. بسیاری از کودکانی که در سنین زیر 8 سال به کلاسهای آموزش موسیقی جدی فرستاده می شوند دچار چنین مشکلاتی خواهند. ▪ اگر از زیر 8 سال می خواهید موسیقی را وارد زندگی فرزند خود بکنید، فلوت ریکوردر بهترین انتخاب است. تجربه نشان داده است از زمانی که کودک انگشتان خود را با اختیار به حرکت در می آورد، می تواند هنرآموز فلوت باشد. ▪ برعکس مورد اول پیانو را باید زمانی شروع کرد که کودک حد اقل بتواند در حالت ایستاده به کلاویه ها تسلط نسبی داشته باشد و قدرت فیزیکی آن برای فشار دادن کلاویه ها کافی باشد. ▪ سازهای زهی از خانواده ویلن معمولا" از سن شش سالگی زودتر شروع نمی شوند، ضمن اینکه یقینا" باید با سازهایی در ابعاد کوچکتر مثل یک هشتم یا یک چهارم آموزش را آغاز کرد. ▪ سازهای بادی بجز فلوت ، ریکوردر معمولا" هنگامی شروع می شوند که دندانهای اصلی کودک رشد کرده باشند و کودک قدرت کافی برای دمیدن در ساز را دارا باشد. همچنین چون این سازها کمتر در ابعاد کوچکتر موجود هستند باید دقت کرد که آیا وضعیت فیزیکی کودک توانایی اجرای ساز را دارد یا خیر. ▪ سازهای مضرابی مانند سه تار، گیتار و ... که در ابعاد کوچکتر هم وجود دارند برای کودکان زیر 8 سال توصیه نمی شوند. ▪ نکته بسیار مهم آنکه فرا گیری مهارت های آوازی برای کودکان و نوجوانان بصورت جدی برای سنین پایین 15 سال توصیه نمی شود. اما کلاس های آوزا خوانی دست جمعی از سن سه سالگی با عث رشد علاقه آنها به موسیقی خواهد شد. برای دریافت نتیجه بهتر، کودک خود را در کلاسهای عمومی ثبت نام کنید.

ماهنامه شهرزاد

راهکارهای آموزش موسیقی آکادمیک برای کودکان و نوجوانان 1397-06-18

به منظور آشنایی هر چه بیشتر و بهتر شما عزیزان در امر آموزش موسیقی به شیوه ی آکادمیک ، بر آن شدیم تا مقاله ای کوتاه و مختصر تدوین نموده و ارائه نمائیم . امید که این مطالب کوتاه و مختصر ، روزنه ای باشد در جهت آموزش اصولی و آکادمیک فرزندانمان . به منظور آشنایی هر چه بیشتر و بهتر شما عزیزان در امر آموزش موسیقی به شیوه ی آکادمیک ، بر آن شدیم تا مقاله ای کوتاه و مختصر تدوین نموده و ارائه نمائیم . امید که این مطالب کوتاه و مختصر ، روزنه ای باشد در جهت آموزش اصولی و آکادمیک فرزندانمان . لازم به توضیح می باشد که این مقاله در دو بخش تنظیم شده است ، که بخش اول آن به چگونگی فراگیری موسیقی و زمان مناسب برای شروع آموزش موسیقی می پردازد ، و پیرامون انتخاب مربی و شیوه تمرین و ... بحث می کند .در بخش دوم نیز به روشهای آسیب شناسی تمرین و ایجاد انگیزه و حفظ علاقه برای یاد گیری و تمرین موسیقی می پردازد .

بخش اول
زمان مناسب برای شروع فراگیری موسیقی بدیهی است که در امر مهم آموزش موسیقی مقاله ها ، تجربه ها و آمارهای گوناگون وجود دارد .اما با توجه به تجربه شخصی بنده و شناختی که در طی سالیان طولانی تدریس از استعداد نهفته کودکان کسب نموده ام ، بدیهی است که بهترین سن برای آموزش جدی موسیقی همان سنین کودکی است . یعنی کودک همزمان با کسب دیگر مهارتهای زندگی در مسیر کسب مهارتهای هنری نیز هدایت خواهد شد .البته این بدان معنا نیست که سنین دیگر برای آموزش موسیقی دیر است . و مثلا یک فرد پانزده ساله فکر کند که دیگر زمان مناسبی برای یادگیری موسیقی نیست . توصیه بنده به همه این می باشد که در هر سنی هستید موسیقی را شروع کنید و از این دنیای زیبا و منظم وطبیعی لذت ببرید .
انتخاب مربی یکی از مهمترین نکاتی که در فراگیری موسیقی باید به آن توجه نمود انتخاب مربی است . بهترین مربی کسی است که با حوصله و با تجربه باشد . دارای سواد آکادمیک باشد . اخلاقش با خلق و خوی شما نزدیک باشد . با نظم و آراسته باشد .( به خصوص برای آموزش کودکان )توجه داشته باشید که همواره برای تغییر مربی آماده باشید زیرا برای دوره های فراگیری متفاوت که در فصل بعد به آن اشاره میکنم لازم است که معلمان متفاوت را تجربه کنید . البته باید ذکر نمود که این تغیرات حتما باید طبق اصول و ضوابط خاص انجام شود و کارشناسی لازم در این مورد صورت گیرد . زیرا همانقدر که تغییر مربی در سطوح متفاوت مفید است ، به همان اندازه ، تغییر معلم در زمان نا مناسب بسیار مضر خواهد بود . زمان بندی دوره های فراگیری موسیقی برای یک ساز خاص فراگیری کامل یک ساز به طور کلی به دوره های زیر تقسیم می شود : 1- مقدماتی 2- متوسطه 3- پیشرفته 4- استادی بر اساس قوانین بین المللی مدارس موسیقی که کنسرواتوار نامیده می شوند ، تحصیل موسیقی از مبتدی تا پیشرفته در مورد یک ساز خاص به عنوان مثال پیانو حدود 8 الی 12 سال طول می کشد . که البته در این مدت غیر از فراگیری ساز دیگر دروس مرتبط با آن نیز نظیر سلفژ ، تئوری و.... ارائه خواهد شد . البته قابل ذکر است که با توجه به سختی واضح نوازندگی این مدت زمان برای هنرجویانی در نظر گرفته است ، که حداقل هفته ای دو یا سه جلسه در کلاسهای تخصصی موسیقی شرکت می کنند و از تمرینات مستمر روزانه برخوردارند . بنا بر این با توجه به اینکه هنرجویان در ایران اغلب همراه با تحصیل در مدرسه از دوران ابتدائی تا متوسطه و دانشگاه به امر فراگیری موسیقی نیز می پردازند و بنا به دلایل متعدد تعداد جلسات سالیانه آنها به ندرت به 40 جلسه می رسد ! می بایست سطح پیشرفت و اتمام دوره های فراگیری را نیز با توانایی خود و با نظر معلم خویش و کارشناسان امر بسنجند.
روش تمرین از آنجا که در امر روش تمرین مناسب در یک صفحه نمی توان به بیان تمام آنچه لازم است پرداخت و با توجه به اینکه این مقاله جهت آشنائی مختصر و مفید شما عزیزان به صورت بسیار خلاصه تدوین شده است ، به طور کلی به بیان چند نکته مهم پرداخته می شود . برای اینکه بدانیم چقدر و چگونه تمرین کنیم باید به اندازه کافی از سخت بودن مهارتی که در حال یاد گیری هستید آگاه باشید .نکات اصلی در تمرین موسیقی عبارتند از : الف : چنانچه هفته ای یک جلسه کلاس موسیقی دارید حتما هر روز هفته در ساعتی معین تمرین منظم داشته باشید . و خود را مکلف به انجام تمرینات مهارتی خود بدانید . به عنوان مثال اگر یک روز 3 ساعت تمرین کنید ، ولی 3 روز تمرین نکنید نتیجه مطلوب نخواهید گرفت . ب : حتما گاهی برای دل خود تمرین کنید ، خارج از هر نوع تکلیف و اجبار خاص . ج : گوش دادن به موسیقی های ارزشمند و تمرین نت خوانی و مطالعه دروس مربوط نیز ، جزو تمرین موسیقی شما محسوب می شود . لازم به ذکر است که جگونگی تکنیک ها و تمرین های مهارتی از حوصله بحث خارج است و در کلاس درس هنر جو با توجه به شرایط و سطح پیشرفت هنرجو بیان خواهد شد .
پیشرفت و معنای آن در موسیقی پیشرفت و معنای واقعی این کلمه یکی از معضلاتی است که در جامعه هنری به وفور در جریان است . بنابراین یکی از قدم هایی که این آموزشگاه جهت رفع این معضل فرهنگی برداشته ، تدوین طرح درس یک ساله ، معادل برگزاری 40 جلسه می باشد ، که با مدیریت و کارشناسی اینجانب و بر اساس معیارهای بین المللی ، و متناسب با سطح و میزان آماتور یا حرفه ای بودن هنرجو تنظیم شده است . بر اساس این طرح ، به طور دقیق مشخص می شود که هر هنرجو چند سال و در چه سطحی آموزش دیده است . باید توجه داشت که همواره سلایق شخصی و فرهنگ عمومی جامعه ، با نظر متخصصان امر تفاوت اساسی دارد .

بخش دوم
آسیب شناسی تدریس مسیرهای غیر آکادمیک آموزش در موسسات معتبر و به خصوص درجه یک ، صرفا به صورت آکادمیک می باشد . قبل از شروع دوره آموزشی خود حتما در زمینه تصمیم خود در جهت چگونگی طی مسیر آموزش و نحوه آن اطلاعات و آگاهی لازم را کسب نمائید . طول دوره های آموزشی ، تعداد جلسات لازم ، مقدار تمرین کافی و تکلیف پذیری شما مهمترین نکاتی است که باید در رابطه با آن تحقیق کنید . آموزش آکادمیک ، با نواختن چند آهنگ معروف و صرفا مهمانی پسند ، بدون توجه به معیارهای اصولی و علمی تفاوت بسیار زیادی دارد .
زیاده روی در اعمال سلیقه توسط اساتید متاسفانه یکی از بن بست هایی که در گاهی در مسیر آموزشی اتفاق می افتد ، اعمال نظر غیر ضروری بعضی از مدرسان می باشد . از آنجا که معلمان روش های گوناگونی دارند و هر کدام مسیر خود را می پیمایند ، دخالت دیگر مدرسان صرفا منجر به بی اعتمادی هنرجو به مربی خود خواهد شد. چنانچه هنرجویان مایل باشند صرفا می توانند از نظرات معلمان با تجربه ، آن هم با تائید مربی خود بهره ببرند.
انگیزه ، حفظ آن و پیشنهاد راهکار انگیزه ، حفظ آن و پیشنهاد راهکارخانواده – جامعه – مربی و موسسه آموزشی این چهار رکن اساسی در جهت ایجاد انگیزه و حفظ آن می باشد . بارها دیده شده است که خانواده بی آنکه از سختی کار تدریس موسیقی آگاه باشد ، تمام بی انگیزگی فرزند خود را در جهت ادامه مسیر آموزش به دوش مربی می اندازد . باید به این نکته توجه داشت که کودکان و نوجوانان در دو جامعه بزرگ مدرسه و خانواده رشد می کنند . چنانچه در این دو محیط زمینه های مناسب فراهم نشود ، ایجاد انگیزه از جانب مربی تقریبا معجزه و محال است . تشویق والدین و جامعه در بیرون از آموزشگاه بسیار موثر خواهد بود . بردن کودکان و نوجوانان به کنسرت ها و اجراهای زنده موسیقی نیز در به وجود آوردن علاقه و انگیزه بسیار مهم است .
چند توصیه به والدین گرامی قبل از ثبت نام فرزند خود در هر موسسه آموزشی حتما از طول دوره آموزشی ، انتخاب مربی مناسب ، راههای ایجاد انگیزه و جدیت برنامه درسی موسیقی اطمینان حاصل نمائید . عدم اطمینان شما به روش آموزش بزرگترین ضربه را به آموزش میزند . به هیچ عنوان از کلاسهای موسیقی مهدکودک ها استفاده نکنید ، بزرگترین ضربه به موسیقی کودک کشور و دلزدگی های کودکان از موسیقی، از روشهای غلط این موسسات سرچشمه می گیرد . شما قطعا هزینه مالی و زمانی زیادی را در جهت آموزش موسیقی فرزند خود صرف می نمائید ، بنابراین به تمرین فرزند خود اهمیت دهید و در یک محیط مناسب ، فرزند خود را برای تمرین های مهارتی موسیقی آماده نمائید . اجبارهای غیر اصولی فرزند شما را دلزده می کند . فراگیری موسیقی ،فرایند پیچیده ای است لطفا آن را با سایر دروس و مهارت هایی که فرزندتان در حال یادگیری آن است مقایسه نکنید . چنانچه مایل هستید فرزندتان دوره های کامل موسیقی را طی کند از کلاسها و دیگر برنامه های غیر ضروری بکاهید تا فرزندتان زمان کافی برای تمرین داشته باشد .
سخن آخر توجه شما عزیزان در فراگیری موسیقی قابل تحسین است . باشد که با تلاش شما عزیزان و ما رشد و غنی سازی این هنر آسمانی در کشور عزیزمان ایران هر روز بهتر از گذشته باشد.

موسیقی می‌تواند میزان ضریب هوشی کودکان و بزرگسالان را افزایش دهد 1397-06-18

پژوهشگران می گویند نتایج تحقیقات گوناگون نشان می دهد که موسیقی می‌تواند میزان ضریب هوشی را در میان کودکان و بزرگسالان تا 7 درجه افزایش دهد. دانشمندان با انجام تحقیقاتی ادعا کرده‌اند افرادی که می‌توانند یک ساز موسیقی را بنوازند باهوشترند، زندگی اجتماعی بهتری دارند و در تحصیلات خود موفق‌ترند. پژوهشگران می گویند نتایج تحقیقات گوناگون نشان می دهد که موسیقی می‌تواند میزان ضریب هوشی را در میان کودکان و بزرگسالان تا 7 درجه افزایش دهد. دانشمندان با انجام تحقیقاتی ادعا کرده‌اند افرادی که می‌توانند یک ساز موسیقی را بنوازند باهوشترند، زندگی اجتماعی بهتری دارند و در تحصیلات خود موفق‌ترند. تحقیقات جدید نشان می‌دهد افرادی که به طور منظم یک ابزار موسیقی را می‌نوازند بعد از مدتی شکل و قدرت مغز خود را تغییر می‌دهند که این عامل در نهایت می‌تواند به بهبود مهارتها و تواناییهای ادراکی آنها منجر شود. حتی نواختن موسیقی می‌تواند میزان ضریب هوشی را در میان کودکان و بزرگسالان تا 7 درجه افزایش دهد. محققان در این باره اعلام کردند: شواهد نشان می‌دهد مغز موسیقی‌دانان از لحاظ ساختار و عملکرد با افرادی که با موسیقی آشنایی ندارند تفاوتهای زیادی دارد. نواختن موسیقی سبب می‌شود قسمتهای خاصی از مغز که وظیفه پردازش و نواختن یک آهنگ خاص را دارند تقویت شوند. این قسمتها همچنین وظایف دیگری مانند تواناییهای حرکتی، مهارتهای شنیداری و ذخیره‌سازی اطلاعات را دارند و زمانی که فردی شروع به آموختن نواختن یک ساز می‌کند این قسمتها به طور قابل توجهی رشد کرده و عملکرد آنها طی دوران آموزش روز به روز بهتر می‌شود. لوتز جانک، روانشناس دانشگاه زوریخ، در این‌باره گفت: «آموختن موسیقی بدون شک فواید زیادی برای مغز انسان دارد تا جایی که می‌تواند ضریب هوشی (IQ) فرد را تا 7 امتیاز افزایش دهد. ما در بررسی‌های خود متوجه شدیم که حتی افراد بالای ۶۵ سال‌ هم، ۴ یا ۵ ماه بعد از شروع به آموزش نواختن یک ساز تغییرات زیادی در مغزشان به وجود می‌آید. حتی چند هفته بعد از شروع آموزش موسیقی نشانه‌های مثبتی در مغز سالمندان دیده می‌شود که این تغییرات در نهایت سبب می‌شود سالمندان ابتلا به بیماری‌های مغزی مانند آلزایمر را به تأخیر بیندازند و حتی از بروز بعضی از فلجی‌ها که به خاطر کاهش عملکردی مغز به وجود می‌آید پیشگیری می‌شود.» موسیقی روی هر دو نیمکره مغزی انسان تأثیر‌گذار است و باعث تقویت هر دو بخش می‌شود. قسمتهایی از مغز افرادی که موسیقی می‌نوازند و وظیفه کنترل قدرت شنیداری، حافظه و قسمتهایی که وظیفه کنترل دستها را دارند در حین آموزش موسیقی به بهترین شکل تمرین داده می‌شوند و تقویت می‌شوند. موسیقی به دو شکل می‌تواند به بهبود وضع جسمی و روحی فرد کمک کند به طوری که در فرد شنونده باعث تحریک واکنش‌های عاطفی و ذهنی فرد می‌شود و در فرد نوازنده که خود نیز در ایجاد موسیقی فعال است، علاوه بر تحریک عواطف موجب تقویت ارتباط جسم و ذهن شده و به هماهنگی این ارتباط در بدن کمک می‌کند. از آنجایی که نواختن موسیقی به صورت گروهی یا فردی انجام می‌شود و تأثیر آن نیز بر روح متفاوت است بنابراین تأثیر نواختن و یا شنیدن آن می‌تواند غمگین کننده، اضطراب آور یا نشاط بخش و آرام‌کننده باشد. جانک در ادامه گفت: «در مورد کودکان ما متوجه شدیم یاد گرفتن موسیقی به آنها نظم و توجه بیشتر و برنامه‌ریزی را می‌آموزد که همه این تواناییها برای بهبود عملکرد این کودکان در طول دوران تحصیل آنها در مدرسه و دانشگاه بسیار مفید است. کودکانی که موسیقی را فرا‌می‌گیرند با سرعت بیشتری می‌توانند خود را با آموزش زبان دوم تطبیق دهند و کلمات را مدت زمان بیشتری در ذهن خود نگاه دارند. البته نواختن موسیقی تنها روش برای تقویت این مهارتها نیست، اما ما مطمئنیم این روش میتواند درکنار دیگر متدها کمک مؤثری به انسانها کند. زمانی که شما در حال آموزش موسیقی هستید باید نت‌های موسیقی را بیاموزید، زمانبندی‌ها را رعایت کنید و بتوانید صداها را بهتر به ذهن خود بسپارید. تقویت همین مهارتها به شما کمک می‌کند زبانهای جدید را بهتر بیاموزید و کلمات را مدت طولانی‌تری در ذهن خود به خاطر بسپارید. موسیقی آن چنان تأثیری روی انعطاف‌پذیری مغز دارد که ما به دنبال استفاده از آن برای کمک به بیماران ذهنی هستیم و تحقیقات زیادی در مورد علم موسیقی – درمانی هم‌اکنون در نقاط مختلف جهان در حال انجام است.» از طرف دیگر، قرار گرفتن کودکان درمعرض موسیقی حال چه آنها موسیقی را بنوازند وچه به آن‌ گوش بدهند اثرات بسیار مفیدی روی قدرت شنیداری آنها دارد. محقق دونالد هاگس، استاد دانشگاه کارولینا، دراین باره گفت: «هیچ چیزی مانند موسیقی نمی‌تواند همه قسمت‌های مغزی را فعال کند. زمانی که کودکان با موسقی آشنا می‌شوند قسمت‌های زیادی از مغز آنها به طور همزمان تقویت می‌شوند که از جمله آن می‌توان به مرکز زبان‌آموزی و محاسباتی اشاره کرد. کودکانی که موسیقی گوش می‌دهند قدرت شنیداری آنها به طورقابل توجهی افزایش پیدا می‌کندکه همین عامل سبب می‌شود مهارت‌های زبان‌آموزی آنها رشد چشمگیری داشته باشد. این کودکان بهتر می‌توانند الگوهای زبانی را تقلید کرده و فراز و فرودهای خاص هر زبان را تحلیل کنند که همه این مسائل به بهترین شکل می‌توانند روی مهارت‌های زبان‌آموزی تأثیر مثبت داشته باشد.» جالب این‌جاست که هیچ‌گاه برای آشنا کردن کودکان با موسیقی دیر نیست. تحقیقات نشان داده که کودکان حتی قبل از تولد نیز می‌توانند به صدای موسیقی گوش داده و آن را به خاطر بسپارند. کودکانی که موسیقی می‌آموزند در امتحاناتی که رابطه مستقیم با قدرت شنیداری دارند نتایج بسیار بهتری می‌گیرند. هرچه زمانی که کودکان در طول هفته به یادگیری موسیقی اختصاص می‌دهند بیشتر باشد به همان میزان قدرت شنیداری آنها نیز بیشتر است. بررسی‌ها نشان می‌دهد کودکانی که قبل از شروع امتحانات خود به موسیقی‌های اجرا شده توسط موتزارت گوش می‌دهند در امتحانات نتایج بهتری می‌گیرند. این نتایج به خصوص در درس ریاضیات بیشتر به چشم می‌خورد که نشان از تأثیر مثبت موسیقی در قدرت پردازش مغزی دارد. موسیقی همچنین می‌تواند روی رفتار کودکان تأثیر مثبتی داشته باشد به طوری که کودکان زمانی که به شکل گروهی اقدام به آموزش موسیقی می‌کنند با مفاهیمی مانند همکاری، بردباری و نظم گروهی آشنا شده و آنها را به طور عملی می‌آموزند. نواختن موسیقی به شدت حس اعتماد به نفس کودکان را افزایش می‌دهد. زمانی که کودکی قادر به نواختن یک ساز خاص است از طرف دیگران مورد تحسین واقع می‌شود و همین عامل تأثیر بسیار شگرفی در بالا رفتن اعتمادبه‌نفس در میان کودکان دارد.

تاریخچه آموزش موسیقی به کودک در دنیا 1397-06-18

آموزش موسیقی به کودکان نیاز به روشهای وِیژه دارد، آنها هنر فراگیری را نمی دانند. بطور کلی چندین روش بعنوان روشهای آموزش موسیقی کودک در دنیا وجود دارد که در حقیقت تدوین این روشها از ابتدای قرن بیستم بنا به ضرورت و نیاز به روشهای موثر و مفید آموزشی و وجود آشفتگی و سردرگمی فراوان در امر آموزش موسیقی کودک بوجود آمده است. آموزش موسیقی به کودکان نیاز به روشهای وِیژه دارد، آنها هنر فراگیری را نمی دانند. بطور کلی چندین روش بعنوان روشهای آموزش موسیقی کودک در دنیا وجود دارد که در حقیقت تدوین این روشها از ابتدای قرن بیستم بنا به ضرورت و نیاز به روشهای موثر و مفید آموزشی و وجود آشفتگی و سردرگمی فراوان در امر آموزش موسیقی کودک بوجود آمده است. اولین کسی که به تدوین روشهای صحیح و کامل موسیقی پرداخت یک پزشک ایتالیایی بنام "کلودید مونته سوری" (Claudio Montessory) می باشد، که حرفه اصلی او موسیقی نبود و اطلاعات زیادی در این مورد نداشته است. بعد ها افراد دیگری که بیشتر آنها از اهالی سوئیس بودند با بکارگیری شیوه های علمی تر دامنه وسیعتری را در این زمینه بوجود آورند. مانند: "امیل ژاک دالکروز" (Emile Jaqucs Dalcroze 1865 -1950)، "کارل ارف" (Karl Orff 1895-1982)، "زلتان کدای" (Zoltan Kodaly ) که سیستم مجارستانی را ابداع نمود. البته باید متذکر شویم که همگی آنها در یک محدوده جغرافیایی زندگی می کردند. بعد از دو یا سه نسل، "ادگار ویلمز" (Edgar Willcms) و "مارتینو" (Martinoe) سیستمهای جدیدی را بنیانگذاری نمودند، و تحول چشمگیری در عرضه آموزش موسیقی کودک بوجود آوردند. خاتمه جنگ جهانی دوم، مصادف بود با پیدایش دو سیستم متفاوت در دو منطقه دنیا، یکی سیستم "سوزوکی" (Suzuki Shinchi 1898-1998) در ژاپن و دیگری سیستم "مانهاتان" (Manhatan Vill) در ایالات متحده آمریکا. این هشت روش تا امروز هر کدام بنحوی اجرا شده و هر یک ویژگی خاص خود را دارا می باشد. در اینجا به بررسی هر یک از این روشها می پردازیم: کودید مونته سوری : همانطور که گفته شد او یک پزشک بود که به هیچ وجه موسیقی نمی دانست. وی در سال 1907 "خانه کودکان" را برای کودکان 3 تا 7 ساله تاسیس نمود و سعی کرد مسائل آموزشی تربیتی کودکان معلول را مطرح کند و از همین طریق به موسیقی دست یافت. بنابراین، آراء نظرات "مونته سوری" اصلا" موسیقیایی نبودند، بلکه تعلیم و تربیتی بودند. مونته سوری معتقد بود کودک باید در فرایند آموزشی خود عامل فعالی باشد یا باید به او عنوان یک عامل فعال در فرایند آموزشی خود نگاه کرد. کودک کسی نیست که فقط در معرض اتفاقات قرار گیرد، بلکه کسی است که باید بوسیله اراده اش اتفاقات را بوجود آورد. به همین خاطر ما باید دائما" ساختمان تجربه مداومی را پی ریزی کنیم، چون کودک در هر لحظه ممکن است حرکت متفاوتی را انجام دهد. پس روش آموزش به خود کودک بستگی دارد. اولین نتیجه ای که می توان از این روش گرفت این است که فرآگیری کودک بسیار آزاد است و آنرا در هیچ سیستمی نمی توان محدود کرد و به عقیده او اشیاء بهترین مربیان هستند. او محیطی را بوجود آورد که در آن اشیاء همگی واقعی هستند، یعنی هیچ اسباب مصنوعی وجود ندارد. مونته سوری معتقد است کودک را نباید رها کرد بلکه مربی باید گام به گام با او حرکت کند. البته نه اینکه مثل کودکان رفتار کند، ولی حتی الامکان سعی نماید بیاموزد که چگونه با کودک رفتار کند. مونته سوری پس از همکاری با دوست موسیقیدانش "ماچرونی" (Maccriaronni) اساس دوره های آموزشی خود را بر مبنای درک مفاهیم موسیقی بنیانگذاری کرد. ابتدا صدا ها را دسته بندی نمود و با شیوه های مختلف کودکان را آزمود و تمریناتی را در جهت دقیق شنیدن صداها بعنوان برترین نمود آموزش موسیقی پایه ریزی کرد و معتقد بود بسیاری از فعالیتهای صدایی و غیر صدایی باید به آواز خواندن منجر شود. یعنی بچه ها صداهایی را که می شنوند باید بخوانند. نکته مهم دیگری که در روش مونته سوری حائز اهمیت است، حرکات ریتمیک است که باعث پرورش و رشد جسمانی کودک می شود. برای این منظور نیز "ماچرونی" با تغییر سرعت در قطعاتی که توسط پیانو می نواخت به کودکان می آموخت که چگونه به صداهای مختلفی که با سرعتهای متفاوت اجرا می شوند عکس العمل نشان دهند. علی رغم نکات مثبتی که در روش مونته سوری وجود داشت، بسیاری از نقطه نظرات او به زودی به فراموشی سپرده شد. چراکه او به کار گروهی اعتقادی نداشت و تجربیاتش بسیار فردی بود. ولی یک نقطه نظر اساسی مونته سوری هیچگاه از یاد نرفت و آن هم این بود : " بچه ها باید بیاموزند چگونه بیاموزند!؟"

منبع : harmony talk

تاریخچه موسیقی کلاسیک 1397-06-18

انسان اولیه مبانی موسیقی را از طبیعت آموخت و به تدریج با استفاده از آلات و ادوات کار و زندگی اصوات موزونی را ایجاد نمود.حدود 5000 سال پیش سومری ها با استفاده از چنگ قطعات موسیقی برای رقص می ساختند. در مصر قدیم موسیقی بیشتر جنبه روحانی و مذهبی داشت. در دوران رنسانس تحولاتی در شیوه نت نویسی پدید آمد و موسیقی مذهبی اساس و پایه علمی یافت، قطعات موسیقی رقص دوره رنسانس که امروزه در دست است نشان می دهد که در آن زمان یعنی حدود قرن 15 و 16 میلادی سازهای متعددی در خدمت موسیقی بوده اند. انسان اولیه مبانی موسیقی را از طبیعت آموخت و به تدریج با استفاده از آلات و ادوات کار و زندگی اصوات موزونی را ایجاد نمود.حدود 5000 سال پیش سومری ها با استفاده از چنگ قطعات موسیقی برای رقص می ساختند. در مصر قدیم موسیقی بیشتر جنبه روحانی و مذهبی داشت. در دوران رنسانس تحولاتی در شیوه نت نویسی پدید آمد و موسیقی مذهبی اساس و پایه علمی یافت، قطعات موسیقی رقص دوره رنسانس که امروزه در دست است نشان می دهد که در آن زمان یعنی حدود قرن 15 و 16 میلادی سازهای متعددی در خدمت موسیقی بوده اند.

موسیقی کلاسیک چیست؟ کلاسیک از واژه کلاسیوس (clasious) به معنای شاهانه گرفته شده است. موسیقی کلاسیک نامی است که به سنت موسیقی هنری غرب داده شده‌است. این نام‌گذاری دقتی ندارد و کوشش‌ها و بحث‌های زیادی برای مشخص کردن معنی آن صورت می‌گیرد. معمولاً شروع این موسیقی را از سده های میانی می‌دانند. واژه ی کلاسیک و کلاسیسم , معمولاً به یک دوره از موسیقی اطلاق شده است, امّا اغلب با معانی مختلف, در اصل عنوان سبک یک دوره ی خاص یا سبک مشخصی از موسیقی نیست. ولی از سوی دیگر, واژه ی کلاسیک بر پدیده ای اطلاق می شود که می تواند در اکثر دوره های مختلف تاریخ موسیقی به کار برود و تکرار شود, مثلاً آوازهای شوبرت در آلمان نسبت به قرن نوزدهم نمونه ی کلاسیک به شمار می آید، در حالی که شوبرت از نظر تاریخی آهنگساز دوره ی رمانتیک محسوب می شود و افکار و عقایدش نیز رمانتیک است . بنابراین معنی واژه ی کلاسیک در ارتباط با یک قطعه ی مشخص یا اصولاً مقوله ی آهنگسازی می تواند کاملاً با معنی آن در رابطه با سبک یک دوره از تاریخ موسیقی متفاوت باشد. با چنین برداشت مشابهی می توان گفت که " پالسترینا" آهنگساز قرن شانزدهم, قرن ها به عنوان نمونه ی کلاسیک موسیقی کلیسایی مد نظرقرار داشته و آثارش مدل اصلی برای دیگر آهنگسازان بوده است . واژه ی کلاسیک در موارد استعمال کلی آن, هنگامی مفهومی بهتر و مفیدتر خواهد داشت که در ارتباط با نوع به خصوصی از آثار موسیقیایی (مانند نمونه هایی که از شوبرت و پالسترنیا ذکر شد) قرار گیرد. در این مفهوم می توان بتهوون را استاد کلاسیک در خلق سمفونی، سونات پیانو،کوارتت زهی محسوب گیرد. فرق میان کلاسیک به عنوان یک راه حل قاطع و استوار برای مسئله ی نقش خلاق در یک اثر هنری یا مقوله ی آهنگسازی از یک طرف و به عنوان یک مفهوم در تاریخ سبک ها از طرف دیگر، همیشه ستیز و اختلاف دایمی را به وجود می آورد که آثار آن نیز امروزه وجود دارد . تاریخ نویسان قرن نوزدهم، کلمه ی کلاسیک را در آلمان به سبک دوره ای که با نسل " کوانتس " و " هانس " و بعداً پسران باخ و معاصرین آن ها شروع شد، اطلاق می کنند و در ایتالیا به سبک موسیقی دمینیکو اسکارلاتی و معاصرینش. آواخر این دوره را به طور واضح نمی توان معین کرد، زیرا جدال بین کلاسیک و رمانتیک تا قرن نوزدهم و حتی قرن بیستم ( با جریان نئوکلاسیسم ) ادامه داشت. این که چه وقت و کجا کلمه ی کلاسیک وارد فرهنگ موسیقی شد نیز به طور کامل روشن نیست . تعریف کلاسیک در ادبیات تا حدی بغرنج و گنگ است ولی این تعریف در موسیقی پیچیده تر می شود . شاید یکی از قدم هایی که به سوی موسیقی کلاسیک برداشته شد، آزاد شدن اثر موسیقی از قید و بند تقلیدها، بیان ،معرفی، در خدمت بودن حتی سرگرمی های اجباری بود و نتیجتاً خود اصل موسیقی مد نظر قرار گرفت. پس برای اولین بار در موسیقی این فکر و ایده ظهور کرد که موسیقی در حقیقت همانند دیگر هنرها " مقصود وهدفی" ندارد، بلکه صرفاً به خاطر خودش وجود دارد . در واقع موسیقی به خاطر خود هنر موسیقی . به عبارت دیگر، در دوره ی کلاسیک با ایده" هنر به خاطر هنر " برخورد می شد که از آن زمان تا کنون هم خیال همراه موسیقی جریان دارد . در کلاسیک هر چیز خارق العاده و افراطی کنار گذاشته شد و بیان موسیقیایی بیشتر با تاکید بر کمال، تمامیت و اعتبار جهانی با استفاده از عوامل ساده و قابل فهم تثبیت شد . مهم ترین ویژگی اوایل دوره ی کلاسیک،ساده کردن هر چه ممکن تمام فرم های موسیقی و عوامل سبکی است. در موسیقی دوره ی کلاسیک ملودی به عنوان یک عامل اساسی و پایدار جلوه گر می شود و تئوری ملودیک مهم ترین مسئله ای بود که موسیقیدانان به آن می پرداختند .

سبک موسیقی کلاسیک تقسیم بندی دوره های موسیقی کلاسیک تا حدی شبیه تقسیم بندی دوره های هنرهای دیگر در اروپاست ولی زمان این دوره ها برای هنرهای مختلف مقداری متفاوتند. به هر حال موسیقی کلاسیک را میشود به شش دوره تقسیم کرد. دوره اول دوره قرون وسطایی (به طور متوسط از قرن 6 تا 14) و دوره دوم یعنی رنسانس (قرن 15 و 16) آنچنان در موسیقی کلاسیک دارای اهمیت نیست (بر خلاف هنرهایی مثل نقاشی و معماری)، چرا که تحولات در زمینه سازها و همین طور ثبت آثار خیلی چشمگیر نیست. اما بعد از رنسانس، موسیقی کلاسیک همانند بقیه هنرها در اروپا به چهار دوره زمانی تقسیم میشود: سبک موسیقی اوایل کلاسیک که تا سال های 1770 را دربر می گیرد و شامل دو سبک روکوکو (Rococo) و اکسپرسیو (Expressive) است . سبک روکوکو خصوصاً در فرانسه نُزج گرفت و واژۀ فرانسوی سبک گالانت (Style Galant) اغلب به عنوان مترادف آن به جایش به کاربرده می شود. بانی سبک اکسپرسیو که بعداً رواج یافت, آهنگسازان آلمانی بودند و معادل آن در زبان آلمانی Empfindsamer Stil ) سبک حساس و باوقار ) است. این دو سبک حاصل و نتیجه ی اهمیت بخشیدن به دو صدای طرفین در موسیقی باروک است. امّا در قرن هیجدهم, خط باس اهمیت, رهبری و استقلال کنترپوانتیک خود را از دست داد و صرفاً حمایت کننده ی ملودی شد در حالی که صداهای میانی فقط پر کنندۀ هارمونی بودند. سبک روکوکو یا گالانت در مجامع باوقار اشرافی ظهور کرد و سبکی بسیار ظریف, دقیق, چابک, شوخ, آسان,پرجلال و شکوه بود. روکوکو همان شیوۀ زینت و آذین بیش از حد دوره ی باروک است ولی بدون بزرگی و عظمت. از سوی دیگر سبک اسپرسیو ( به معنی رسا و پر معنی ) در ارتباط بیشتری با طبقه ی متوسط جامعه قرار داشت و در کل سبک بورژواها بود . این سبک برخلاف روکوکو نه تنها پر طمطراق و پرزینت نبود, بلکه گاهی به طور عمد و اغراق آمیزی ساده بود . سبک دوره ی عظمت کلاسیک که در آن فرم ها و سبک ها اصولاً ثابت ماندند, آهنگسازان موقعیتی یافتند تا افکار و رویدادهایی را که از تخیلات آزادشان برمی خواست شکل دهند. تاریخ نویسان دوره ی عظمت کلاسیک را به دو دلیل مکتب " کلاسیک وین" نام نهادند: اول این که تمام آهنگسازان مهم در وین یا اطریش فعالیت کرده اند و دوم اینکه عوامل موسیقیایی وین ( یا اطریش ) در موسیقی سبک کلاسیک راه یافت و تأثیرات فراوانی بر آن به جای گذاشت . موسیقی کلاسیک را از نظر سبک و تحول تاریخی آن به چند دوره کوچک‌تر تقسیم کرده‌اند: در این دوره موسیقی‌دانان بیشتر از ادرکات حسی و تمایلات روحی خود در ساخت موسیقی و شکل دادن به سبکها بهره می‌‌بردند. دوره باروک ... دوره کلاسیک .... دوره رومانتیک .... دوره مدرن نوگرایی یا مُدرنیسم به معنی گرایش فکری و رفتاری به پدیده‌های فرهنگی نو و پیشرفته‌تر و کنار گذاردن برخی از سنت‌های قدیمی است. تقسیم بندی دوره های هنری - از جمله موسیقی - بعد از رونسانس چهار دوره اصلی در نظر گرفته میشود. اول سبک باروک (Baroque) که بطور تقریبی بین سالهای 1600 تا 1750 میلادی ادامه داشته، دوم دوره کلاسیک بین سالهای 1750 تا 1820 ، سوم رمانتیک بین سالهای 1820 تا 1910 و بالآخره موسیقی مدرن یا همین موسیقی عصر حاضر از 1910 تا به امروز. طبیعی است که این تاریخ ها تقریبی هستند و انتقال سبک موسیقی از یک دوره به دوره بعد طی یک دوران گذر اتفاق بوده است که در آن مدت هنرمندانی بوده اند که با سبک هایی بینابین ، آثار هنری خود را خلق میکردند. چهره های بزرگ این دوره ها شامل آهنگسازان اتریشی هایدن و موتسارت و آهنگساز آلمانی یعنی بتهوون هست. شاید موتسارت و بتهوون به همراه باخ سه چهره برتر کل تاریخ موسیقی کلاسیک باشند. هچنین آهنگسازان بزرگ دیگر نیز دراین دوره ها شهرت پیدا کردند به نام های: شوبرت،شوپن،شومان،برامس،یوهان اشتراوس،پاگانینی،روسینی، چایکوفسکی، بیزه، وردی، وگنر، لیست، مندلسون، البنیز، دورژاک، افن باخ، سن سان، گریگ، الگار، دبوسی، موسرگسکی، ریمسکی کورساکف و مالر از موسیقیدانان مشهور این دوره هستند.

زندگی نامه استاد فرامرز پایور 1397-06-18

نام استاد فرامرز پایور در موسیقی میهن ما با نام سنتور عجین شده است و با شنیدن نام او، مفاهیم و جلوه های زیبایی از موسیقی ایرانی ونواهای آبشارگونه مضرابهایی که حاصل قدرت و لطافت ساز او می باشند. در ذهن شنونده این موسیقی نقش می بندد. نام استاد فرامرز پایور در موسیقی میهن ما با نام سنتور عجین شده است و با شنیدن نام او، مفاهیم و جلوه های زیبایی از موسیقی ایرانی ونواهای آبشارگونه مضرابهایی که حاصل قدرت و لطافت ساز او می باشند. در ذهن شنونده این موسیقی نقش می بندد. او در سال 1311 در تهران متولد شد. پدرش استاد زبان فرانسه وعلاقه مند به نقاشی بود وتابلوهایزیادی از او به یادگار مانده است. پدر بزرگش مصور الدوله ، نقاش مخصوص دربار قاجار بود و آثارش در کارخ های گلستان و صاحبقرانیه نگهداری می شود. این دو ویلون و سنتور را خوب می نواختند و با استادان زمان خود معاشرت داشتند. پایور در هفده سالگی آموختن موسیقی را در مکتب استاد صبا آغاز نمود و در مدت شش سال ردیف موسیقی را فراگرفت. پیشرفت او در زمینه چنان بود که توانست بارها در کنا استاد خود به روی صحنه رود و آثاری را در رادیو ضبط نماید. بعضی از این آثار اکنون در اختیار دوستداران موسیقی ایرانی قرار دارد. تحصیلات ابتدایی و متوسطه او در دبستان عسجدی و دبیرستان دارالفنون تهران به پایان رسید و در سال 1331 وارد خدمت نظام شد ویک سال بعد به استخدام وزارت دارایی درآمد. بعد از درگذشت صبا در سال 1336، پایور به آموخته های خود قناعت نکرد ونزد استادانی چون عبداله دوامی، موسی معروفی و نورعلی خانبرومند به فراگیری ردیف درویش خان ، میرزا عبداله پرداخت و دانش موسیقی ایرانی را به خط ((نت)) درآورد واین گنجینه گران بها را از خطر تحیف، فراموشی و نابودی حفظ کرد.
مهمترین آثار وی عبارتند از: - ردیف آوازی موسیقی ایرانی به روایت استاد عبداله دوامی - مجموعه تصنیف های قدیمی از ساخته های عارف ، شیدا، سماع حضور و... - مجموعه آثار درویش خان ورکن الدین مختاری پایور مدتی هم نزد حسین دهلوی و امانوئل ملیک اصلانیان آهنگسازی آموخت واز محضر این دو استاد بهره های فراوان گرفت. فعالیت اصلی او از سال 1334 در اداره کل هنرهای زیبا آغاز شده است و همزمان با تدریس در هنرستان موسیقی ملی برنامه هایی را نیز برای تک نوازی وهم نوازی همراه با استاد صبا واستاد تهرانی تهیه وتنظیم نمود که بصورت کنسرت وبرنامه های رادیویی اجرا وپخش می شد. پس از تأسیس تلویزیون، پایور به اجرای برنامه های زنده در این رسانه گروهی پرداخت که در زمان خود، گام مهمی برای جلب بیشتر توجه مردم به موسیقی سنتی ایران بود. با تأسیس تالار رودکی (سال 1346)، فعالیت های اجرایی او افزوده شد وبسیاری از آثار استادان گذشته را با ذوق و سلیقه خاص خود تنظیم وهمراه با خوانندگان معروف آن زمان در این تالار اجرا کرد. وی در سال 1342 برای تحصیل زبان به انگلستان رفت وپس از گذراندن دوره ای سه ساله موفق به دریافت درجه تخصصی زبان انگلیسی از دانشگاه کمبریج شد. در اواخر همین دوره تحصیلی چند برنامه تکنوازی سنتور را همراه با سخنرانی هایی در معرفی موسیقی ایرانی در دانشگاه های لندن وکمبریج اجرا نمود و به قول خودش تحصیل زبان انگلیسی را به خدمت معرفی موسیقی ایرانی گرفت. بازگشت پایور از انگلستان مصادف با آغاز برگزاری جشن های هنرشیراز بود. او همه ساله با گروه اساتید و گروه نوازندگان فرهنگ وهنر نمونه های ارزنده ای از آثار بزرگان موسیقی ملی ونیز آثار خودرا در این جشن ها اجرا می نمود. استاد پایور در سال 1347از وزارت دارایی به وزارت آموزش وپروش (سازمان مبارزه به بی سوادی )منتقل ودر سال 1355 بازنشسته شد. فرامرز پایور هنرمندی منظم و دقیق وپای بند اصول اخلاقی می باشد. توصیه جدی او به همکاران و شاگردانش همواره احترام به پیش کسوتان ونیز داشتن انضباط در کار وخوش قولی است. درک عالی او از رمزها ونکته های دقیق موسیقی ایرانی، استعداد کم نظریش در شناختن گوشه های ردیف وتکنیک ممتازش در نوازندگی سنتور سبب شده است تا او را استادی برجسته در این زمینه بشناسند. تلاش بی دریغ استاد پایور برای حفظ واشاعه آثار ارزشمند موسیقی ملی ایرانی در زمینه تألیف وتدوین نیز بسیار پر بار است. گرد اوری ردیف آوازی و مجموعه تصنیف های قدیمی به روایت استاد عبداله دوامی که توسط مؤسسه فرهنگی – هنری ماهور منتشر شده، اهتمام در چاپ وانتشار ردیف های استاد صبا و تألیف منابع مختلف برای نوازندگان سنتور، از مبتدی تا عالی شامل پیش درآمد ، چهار مضراب،رنگ وانوع ضربی ها و قطعه های مختلف در تمام دستگاه ها و آوازها بخشی از این تلاش است. آثار موسیقی های ضبط شده او شامل دو بخش عمده آثار استادان گذشته و آثاری است که خود استاد برای سنتور و ارکستر ساخته و تنظیم کرده است.

جمع آوری: سودابه بيات

حسین دهلوی 1397-06-18

حسین دهلوی آهنگساز و رهبر اركستر مضرابی و ازچهره‌های پیش كسوت مدیریت موسیقی در ایران هفتم مهر سال 1306 در تهران متولد شد. حسین دهلوی آهنگساز و رهبر اركستر مضرابی و از چهره‌های پیش كسوت مدیریت موسیقی در ایران هفتم مهر سال 1306 در تهران متولد شد. آموزش موسیقی را در پنج سالگی نزد پدرش معزالدین دهلوی که از شاگردان مرحوم علی اكبرخان شهنازی (نوازنده و ردیف دان نامدار تار و فرزند میرزا حسینقلی) آغاز کرد ، اگر چه چندان دوامی نیاورد و دهلوی كودك بعد از رها كردن این ساز در 9 سالگی و به تشویق مادرش به سمت ساز ویلن و آموزش آن نزد پدرش رفت. دهلوی دوره اول ویلن را نزد پدر فراگرفت و سپس دوره دوم (ردیف راست کوک) را نزد ابوالحسن صبا گذرانید و وارد هنرستان موسیقی شد و از آن پس به فراگیری علمی موسیقی گرایش پیدا کرد. مدتی بعد روبیک گریگوریان رئیس وقت هنرستان، وی را به حسین ناصحی معرفی می‌كند تا هارمونی، کنترپوان و اصول آهنگسازی را از او فرا بگیرد. مدتی بعد كه پروفسور توماس کریستین داوید (استاد اتریشی) به دعوت دانشگاه تهران، به ایران می آید، حسین دهلوی آموزش آهنگسازی را نزد او ادامه می‌دهد. دهلوی فارغ التحصیل آهنگسازی از هنرستان عالی موسیقی است (1339). او در دوره هنرستان با همکاری ابوالحسن صبا ارکستر شماره یک هنرهای زیبا را راه اندازی و در همین دوره چند اثر از آثار صبا را برای ارکستر تنظیم کرد. پس از درگذشت صبا (1336) رهبری این ارکستر که بعداً ارکستر صبا نامیده شد به دهلوی واگذار و در همین دوره شاخه های 2 ، 3 و 4 نیز به آن افزوده شد. این ارکسترها از زمان افتتاح تلویزیون ایران (1337) به صورت هفتگی در تلویزیون به اجرای برنامه پرداختند. در سال 1341حسین دهلوی به ریاست هنرستان موسیقی ملی برگزیده شدو تا فروردین 1350 در این مقام باقی بود. دراین سال وی برای سفر دوساله مطالعاتی به آلمان و اتریش رفت. دهلوی در مدت ده سال تصدی هنرستان به خوبی این سازمان آموزشی را اداره کرد و نظم، تحول و جهشی در هنرستان پدید آورد. او خود در دوره دوم هنرستان رشته های تئوری موسیقی ایران، تلفیق شعر و موسیقی، فرم موسیقی ایران، هارمونی و ارکستر را شخصاً تدریس می كرد. دهلوی از سال 1376 تصنیف اپرای مانا و مانی را به مناسبت سال جهانی کودک (1379) آغاز کرد. ساخت این اثر سه سال به طول انجامید که به خاطر محدودیت های استفاده از صدای خواننده زن تا به حال به اجرا درنیامده و فقط موسیقی سازی آن در خرداد 1379 با همت و رهبری علی رهبری با ارکستر فیلارمونیک اسلواکی در شهر براتیسلاو اجرا و ضبط شده است. دهلوی همواره به نوآوری در زمینه های مختلف اندیشیده است. تدوین متد تنبک به وسیله او و جمعی دیگر شامل حسین تهرانی، مصطفی پورتراب، فرهاد فخرالدینی و هوشنگ ظریف (به عنوان شاگرد حسین تهرانی) برای ارتقای جایگاه تنبک در موسیقی ایرانی و تسهیل آموزش این ساز، توجه به ساخت سنتور کروماتیک برای جبران نقیصه کوک این ساز برای استفاده در ارکستر از جمله این مواردند. نخستین اثر دهلوی در زمینه ارکستر موسیقی ملی «سبک بال» در سال 1332 براساس موتیف کوتاهی ملهم از قطعه قاسم آبادی ساخته ابوالحسن صبا در شور تصنیف شده است. این اثر در آلبوم مذکور با کیفیت ضبط زنده همان زمان ارائه شده است. «کنسرتینو برای سنتور و ارکستر» دیگر اثر این آلبوم حاصل همکاری مشترک دهلوی با فرامرز پایور است. این اثر که در سال 1337 تصنیف شده شامل آواز بیات اصفهان، دستگاه همایون (گوشه لیلی و مجنون)، چهارمضراب چهارگاه و دستگاه ماهور است. دهلوی تجربیات بسیاری در تلفیق شعر و موسیقی ایرانی دارد و آثار «گفت وگوی دل» در شور (1336) و «فروغ عشق» در بیات اصفهان حاصل تجربیات آهنگساز در این زمینه است. دهلوی قطعاتی از ابوالحسن صبا را نیز برای ارکستر تنظیم کرده است. «به یاد صبا» (برگرفته از قطعه «به یاد گذشته» در دشتی - 1337)، «شوشتری» (چهارمضراب برای ویولن و ارکستر - 1338) و نغمه ترک (براساس قطعه دوضربی بیات ترک) از آن جمله‌‌اند. اجرای 15 قسمت از اپرای 26 قسمتی «بیژن و منیژه» (تصنیف در سال‌های 54 و 55) و انتشار پارتیتور آهنگ‌های خود به نام‌های «دوئو سنتور در سه گاه»، «شورآفرین در شور برای ارکستر»، «چهارنوازی مضرابی در اصفهان»، «سوئیت بیژن و منیژه برای ارکستر زهی»، «بیژن و منیژه برای ارکستر سمفونیک» (8 قسمت)، «سرباز برای آواز گروهی و ارکستر» و... تنها بخشی از آثار چاپ شده اوست. دهلوی در سال 1371 ارکستر مضرابی را تشکیل داد که صرفاً شامل سازهای مضرابی سنتور، تار، قانون، عود و بم تار (تارباس) بود.در کنسرت های مهرماه 1371 قطعات دیگری از جمله تصنیف قدیمی باغ تفرج (در همایون)، نغمه ترک، پیش درآمد سه گاه، پیش درآمد همایون، سرود گل، نوا و چهارمضراب دشتی (برای گروه سنتور) گفت وگوی دل و... اجرا شد.یكی از مهمترین آثار حسین دهلوی كتاب «پیوند شعر و موسیقی آوازی» است كه جایزه كتاب سال جمهوری اسلامی در بخش هنر را به خود اختصاص داد.این كتاب حاصل بیش از 40 سال تجربه دهلوی در تلفیق موسیقی با شعر ایرانی است كه به شیوه ای علمی و متدیك فرایند كار را توضیح می‌دهد. دهلوی در سال 1382 به عنوان چهره‌ماندگار مورد تقدیر قرار گرفت.وی به حق از معدود موزیسین‌هایی است كه تجربه‌های قویمی در مدیریت موسیقی و سازماندهی به كارهای گروهی بزرگ داشته و دارد.

جمع آوری: سودابه بیات

موسیقی ایرانی (قسمت اول) 1397-06-18

به آوازی اطلاق می شود كه طرز بستن درجات گام آن، و فواصل جزء آن شباهت به گام دیگر نداشته باشد. مثل اینكه وقتی می گوییم دستگاه ماهور، منظور نشان دادن كلیه ملودی های مختلفی است كه از گام بزرگ تشكیل شده است. دستگاه به آوازی اطلاق می شود كه طرز بستن درجات گام آن، و فواصل جزء آن شباهت به گام دیگر نداشته باشد. مثل اینكه وقتی می گوییم دستگاه ماهور، منظور نشان دادن كلیه ملودی های مختلفی است كه از گام بزرگ تشكیل شده است.

شرط دستگاه بودن آن است كه از حیث گام چهارم و پنجم درست بوده و ضمنا در فواصل بین نتها نیز مستقل باشد یعنی شباهت به گام دیگری نداشته باشد. این نوع را دستگاه می توان گفت چون این قابلیت را دارد كه دارای نغمه ها و گوشه های مختلف باشد. مانند دستگاههای: شور، ماهور، چهارگاه، همایون و غیره. در هر دستگاه دو نوع آواز اصلی و فرعی وجود دارد. آواز اصلی آن است كه در همان گام است مثل دادآذربایجانی و غیره اما آواز فرعی آوازی است كه از دستگاههای دیگر قرض شده است.

دستگاه در موسیقی ایرانی كلمه دستگاه مركب از دو واژه دست به معنی روش، نوع، نوبت، قانون و قاعده و پسوند گاه (محل) می باشد كه معنی آن محل استقرار فواصل (مسند آهنگ و نغمه ها) بر روی تارها (سیمها) و دسته آلات موسیقی است. دستگاه نسبت به موسیقی مثل عروض نسبت به شعر می باشد. در واقع دستگاه در موسیقی امروز جایگاهی چون مقام در موسیقی گذشته دارد. و مقامها مركب از اجزاء بوده اند با این تفاوت كه دستگاه هیاتی دارد كه تحول تغییرملودی در قالب آن شكل می گیرد و آن را پنج قسمت پیش درآمد، چهارمضراب، آواز، تصنیف، و رنگ تشكیل می دهد. بنای یك دستگاه شامل اجزایی از گوشه، نغمه، تیكه و غیره است كه هر كدام نیز خود اجزائی دارند مثل درآمد تحریر، فرود یا مجموعه ای از الحان جمع شده در یك گام یا مقام را با حفظ حدود و رعایت فواصل معین را دستگاه می نامند. امروزه هفت دستگاه و پنج آواز مجموعه ردیفهای موسیقی ایرانی را تشكیل می دهند كه عبارتند از: دستگاه شور، سه گاه، چهارگاه، همایون نوا، ماهور، راست پنج گاه و آواز ابوعطا بیات ترك افشاری دشتی و اصفهان

ردیف مجموعه ای از موسیقی مقامی قدیمی و متشكل از لحن های طبقه بندی شده شامل دستگاه آواز، نغمه، گوشه، تیكه، كرشمه، چهار مضراب، رنگ و غیره كه از قرن یازدهم هجری تا به امروز به نام ردیف موسیقی ایرانی ثبت شده است و ماخذ ردیفهای موجود دو استاد قدیمی میرزا عبدالله و میرزا حسنقلی می باشند. بطور كلی توالی دستگاهها و آوازهای موسیقی ركن اصلی ردیف را تشكیل می دهد و آن چه موجب تفاوت ردیفها با یكدیگر می شود اعتبار راوی و پختگی مطالبش می باشد. بسیاری از الحان ردیف موسیقی ایران حكایت از عمر طولانی آنها دارد. و نامگذاری این ردیفها نیز یا بر پایه مناطق و نواحی و شهرها بوده مثل ردیف عراق، حجاز، اصفهان، شیراز یا نام نواحی و شهرها را دارند مثل گیلكی یا دشتستانی یا نام افراد را دارند مثل ردیف محمد صادق خانی ردیف حسینی، ردیف مهدی ضرابی یا مأخوذ از صفتی هستند مثل دلكش، حزین، شهر آشوب، مهربانی یا بر اساس روش نواختن و مضراب نوازی است مانند دو تا یكی، گریلی، پنجه مویه، چهار مضراب و یا بر اساس شعر و نوع‌ آن است مانند رباعی، دوبیتی، چهارگاه، مثنوی صوفی نامه و یا بر اساس اصطلاحات خوانندگی چون درآمدها، فرودها، تحریرها، آوازها و یا نامهای قدیمی كه از سالهای بسیار دور و سینه به سینه مانده مثل نوروزها، نوروز عرب، نوروز صبا، خسروانی و غیره نامگذاری گردیده اند.

درآمد موسیقی هر یك از دستگاهها و آوازهای موسیقی ایران درآمد و درآمدهایی دارد كه مخصوص به همان دستگاه یا آواز می باشد. تنوع درآمدهایی كه در ردیفهای موجود ملاحظه می شود مبین اعتبار در نظر اساتید پیشین است كه بنابر تشخیص هر ردیفی از ردیفهای معتبر به درآمد اول یا دوم یا سوم تعبیر شده است . درآمد ساخته شده برای لحنی كه ابتدا در آن دستگاه شروع می شود. گاهی درآمدها نیز مانند بعضی الحان یا تحریرها به نام یكی از استادان قدیم منسوب شده مانند درآمد احمد صادق خانی در آواز دشتی كه به شكل گوشه ای كوتاه ثبت شده است.

نغمه نغمه را می توان به منزله شهری از یك ولایت یا استان تصور نمود. و همانطور كه هر شهر یك استان دارای رنگ و بو و آداب و سنن و فرهنگ و هنر خاص خود می باشد اما می توان عادات كلی آن استان را نیز در آنها دید و در دستگاه شور هم از نغمات ابوعطا، دشتی، بیات ترك و غیره رنگ كلی و لهجه مخصوص دستگاه شور را می توان استنباط نمود.

گوشه گوشه عبارت از آهنگی است كه در فاصله یك دانگ یا یك پنجم ادا می شود. كه عموما از چند نت نیز تجاوز نمی كند. گوشه دارای تقسیمات جزئی نمی باشد.

رنگ از فرمهای موسیقی ایرانی، فرمی موزون و ریتم دار و بدون كلام كه به گونه رایج در قالب شش هشتم ارائه می شود. رنگ در هر دستگاه و آوازی بر اساس الحان (ملودیها) و گوشه های مشهور همان دستگاه یا آواز ساخته می شود. رنگ دارای ویژگی های مختص به خود می باشد. كه بر اساس گوشه ها لحن بندی می شود و در عین حال فاقد پایه است و در عین جدی بودن به خاطر نوع وزن و ضربش نشاط آور است و به طور معمول در آخر یك دستگاه اجرا می شود.

آواز اصلی و آواز فرعی هر دستگاه از موسیقی ایرانی دارای دو نوع آواز اصلی و فرعی می باشد. آواز اصلی در گام دستگاه بوده اما با تنبك متفاوت است یعنی نتهای دیگر گام هم می توانند تونیك قرار گیرند مانند داد در ماهور و آواز فرعی از دیگر دستگاهها اخذ شده و حالت مدگردی دارد و در انتها باید به دستگاه اصلی یا پایه فرود آید مانند دلكش در ماهور.

ترانه از اقسام تصنیف های موسیقی ایرانی دوبیتی، سرود، آواز، نغمه، نقش و صوت و غیره ترانه را تصنیفی گویند دارای سه گوشه هر یك به یك شكل یك بیتی مدح و تلاو تلالا. از خصوصیات ترانه این است كه در هر وزنی كه باشد مانند ترانه های اصیل امروزی بر سر زبان می ماند و معمولا دارای اشعار ساده و روان می باشد و این سادگی از ویژگیهای آن است ترانه خوانی، ترانه زدن، ترانه سازی، ترانه بستن و ترانه برداشتن به معنای سرود و نغمه ساده و دلنشین است. این شكل از قالبهای موسیقی آوازی ایرانی می باشد كه از قدیم الایام در فرمها و اشكال مختلف رواج داشته و معمولا با ابیاتی به شكل رباعی، غزل و غیره همراه بوده است و انواع متفاوت ترانه نیز وجود دارد مانند ترانه شهری- ترانه روستایی، ترانه توصیفی ترانه پندآمیز، ترانه عامیانه، ترانه خزانگی، ترانه عاشقانه، ترانه عارفانه، ترانه مذهبی و غیره.

تصنیف در موسیقی انواعی از شعر كه با آهنگ موسیقی خوانده می شوند و با تركیب و ترتیب نواهای موسیقی شعردار، با تلفیق شعر و موسیقی به روش استقرار موسیقی بر روی شعر و یا شعر بر آهنگ تصنیف اشعار لحن داری است كه بر حسب ظاهر با سایر اشعار معمولی تفاوتی ندارد اما وزن و تركیب الفاظ آن دارای خصوصیاتی است كه با لحنها و مقامهای موسیقی و نغمات زیر و برساز و آواز همراه شده و قابلیت هماهنگی یافته باشد. در عصر ما تصنیف حالت و شكل خاص جدیدی یافته است تصانیف رزمی، بزمی، انقلابی جنگی، عرفانی و غیره. با این حال تصانیف امروزه نیز از قوانین موسیقی و اوزان عروضی پیروی می كند. این تصانیف همچنان در گوشه ها و آوازهای دستگاههای ایرانی هستند. به هر طریق شعر آهنگین یا آهنگ شعردار در ساختن تصنیف لازم و ملزومند.

مقامات موسیقی ایرانی تقسیمات موسیقی ایرانی بر اساس آوازها طبقه بندی شده است. امروزه آوازهای بزرگ را دستگاه نامیده و موسیقی ایرانی شامل هفت دستگاه است: ماهور، شور، نوا، همایون، سه گاه، چهارگاه، و راست پنج گاه این طبقه بندی عمری پنجاه ساله دارد كه هنوز مترادف است و ردیفهای مختلف موسیقی دانان مشهوری مانند حسینقلی و درویش نیز از روی همین ترتیب است. در میان دستگاههای فوق شور از همه بزرگتر است چرا كه هر یك از دستگاهها دارای یك عده آوازها و الحان فرعی است. ولی دستگاه شور غیر از آوازهای فرعی دارای ملحقاتی است كه هر یك به تنهایی استقلال دارند. و آوازهای مستقلی كه جزء دستگاه شور محسوب می شود عبارتند از: ابوعطا، بیات، ترك افشاری یا افشار و دشتی و هر یك از این آوازها دارای گوشه های فرعی دیگری نیز هستند.

دستگاه نوا نوا یكی از دستگاههای هفت گانه موسیقی است اما آن را جزء شور نیز محسوب می كنند چون كه پس از دقت در گام آن می توان به صحت این تقسیم بندی پی برد. گام نوا هم مانند بیات ترك و افشاری از تو نیك شور شروع نمی شود در درجه اول آن نمایان شور است. چون پرده های آواز نوا و شور و همچنین درآمدهای نوا بین درجه دوم تا ششم شور عینا همان نتهای گام شور است كه همگی دلایل حضور آواز نوا در دستگاه شور می باشد. نوا آوازی است با طمأنینه وقار و نصیحت دار كه با آهنگی ملایم و متوسط و نه چندان فرح بخش و نه زیاد سوزناك و محزون كه بیان احساس می كند. اصولا در مواقع خستگی فراغت شنیدن آواز نوا بسیار موثر و مطبوع بوده و معمولا آن را آواز خراب گفته اند كه در آخر مجالس انس و طرب نواخته می شود. این دستگاه گام مستقلی ندارد. یعنی گام شور است و گوشه ها هر كدام به واسطه شخصیت آهنگ و وزن شناخته می شوند. و كرشمه، گردانیه، بیات راجع عشاق، عراق، نیشابور نهضت، رهاب، تخت كاووس، عشیران حسینی، بوسلیك و نیریز از گوشه های ا ین دستگاه می باشند.

دستگاه همایون دستگاه همایون شباهت بسیار به گام كوچك دارد. به این صورت كه گام كوچك تونیک (نمایان رونمایان آن) برای اینكه روتونیك شود یك ربع پرده بالا می رود. گام همایون هم مثل گاو شور پایین رونده است و مهمترین درجات گام همایون عبارتند از درجه اول تونیك، درجه دوم نت شاهد، درجه چهارم نمایان، درجه پنجم و هفتم نت ایست. اگر گام شور لا را با گام همایون بنویسیم رابطه و نزدیكی بین این دو آواز دیده می شود. دستگاه همایون دارای گوشه هایی است از قبیل بختیاری ، چكاوك بیداد، شوشتری، عشاق، لیلی و مجنون و ساقی نامه همایون همچنین تغییر مقام به شور و چهارگاه دارد. دستگاه همایون آوازی است با شكوه و مجلل و در عین حال آرام و موثر كه جذابیت زیبایی و دلربای خاصی نیز دارد. گفتار آن پر از علو و عظمت بوده و نصیحتگری كمالند و با تجربه سر و كار دارد. و با زبانی شیوا و پرآزرم مستمع را تشویق و نصیحت می كند و او را با شور و شعف انسان جان تشنه و مشتاق به عالم فوق و غور فرو می برد.

دستگاه ماهور در ماهور آنچه كه هم اكنون معمول است عبارت است از آوازهای كوچكی كه گوشه نامیده می شود. از گوشه های مهم و ماهور می توان موارد زیر را نام برد. داد، نیریز، دلكش، شكسته، عراق، راك، خوارزمی، و خاوران. استادان موسیقیدان معتقدند كه موسیقی بین المللی را در دستگاه ماهور می توان اجرا نمود. و زمینه آوازی ماهور با متعلقاتش خیلی غنی تر از زمینه ای است كه امروزه موسیقی بین المللی دارا می باشد. در واقع هر گوشه و آهنگی از ماهور نمونه ای از موسیقی های قدیم ایران و یونان و گامهای مختلفی است كه اسمشان و طرز نواختشان در تاریخ موسیقی گذشته ذكر شده است. دستگاه ماهور بدون هیچ گونه اختلافی مانند گام بزرگ است كه طبیعی ترین گام و اساس موسیقی فرنگی محسوب می شود و نت تونیك در گام ماهور یكی است. از نمونه نغمات ماهور شكسته و دلكش می باشد. برای رفتن به نغمه شكسته درجه سوم ماهور یك ربع پرده پایین می آید و برای رفتن به دلكش كه خود یك قسم آواز شور است ماهور تغییر مقام پیدا می كند به شوری كه تو نیك آن نمایان ماهور است. آواز ماهور، آوازی است با طمأنینه و وقار كامل خواننده در موقع سرایش این آواز در صورتی كه شعر مناسبی بخواند ابهت و شوكت مخصوصی به آواز می دهد. آواز شكسته و دلكش به نغمات موسیقی شرقی شبیه است و آواز عراق اغلب با چهچهه زیاد و هنرنمایی خواننده توأم است. ماهور به دلیل ماهیت فرح بخشی و سرزندگی خاص خود امروزه بیشتر در بین جوانان و آنهایی كه از موسیقی بسیار حزن انگیز اجتناب می كنند رواج دارد.

جمع آوری: سودابه بيات

جلوه كار آهنگسازی در آثار استاد شجریان 1397-06-18

وقتی میخواهم از شجریان بنویسم ، قلم جز به راه تمجید و تحسین راه دیگری نمی رود. در ستایش از هنر استاد شجریان و خدمات ارزنده او در زمینه موسیقی اصیل ایرانی و آواز سنتی ایرانی هرچه كه بگوییم و بنویسیم كم است. به حق استاد ، زیبا ترین سبك آوازی را در طول سده اخیر ارائه كرده و با خواندن آوازهای متنوع و تصنیف های بیشمار و عرضه دهها و بلكه صدها اثر هنری ، نقشی را در حفظ و اشاعه موسیقی اصیل ایرانی ایفا نموده كه منحصر به فرد است و تصور نمی كنم كه هیچ خواننده دیگری با وی قابل قیاس باشد و حقیقتا" با وجود گوهر درخشانی همچون او ، طاق بلند عمارت فاخر آواز اصیل ایران ، سربه ثریا گذاشته است. وقتی میخواهم از شجریان بنویسم ، قلم جز به راه تمجید و تحسین راه دیگری نمی رود. در ستایش از هنر استاد شجریان و خدمات ارزنده او در زمینه موسیقی اصیل ایرانی و آواز سنتی ایرانی هرچه كه بگوییم و بنویسیم كم است. به حق استاد ، زیبا ترین سبك آوازی را در طول سده اخیر ارائه كرده و با خواندن آوازهای متنوع و تصنیف های بیشمار و عرضه دهها و بلكه صدها اثر هنری ، نقشی را در حفظ و اشاعه موسیقی اصیل ایرانی ایفا نموده كه منحصر به فرد است و تصور نمی كنم كه هیچ خواننده دیگری با وی قابل قیاس باشد و حقیقتا" با وجود گوهر درخشانی همچون او ، طاق بلند عمارت فاخر آواز اصیل ایران ، سربه ثریا گذاشته است. در طی سالهای اخیر پس از انقلاب نیز استاد شجریان آثار متعدد و متنوعی را عرضه نمود كه مورد توجه علاقمندان قرار گرفت و هنوز هم روند تولید آثار هنری جدید توسط ایشان ادامه دارد. آنچه كه در روند كاری استاد شجریان توجه مرا جلب میكند این است كه وقتی استادی با چنین تسلط و سابقه ای ، اشعار ارزشمندی را با زیبایی و چیرگی تمام به بهترین شیوه ای می خواند ، لازم است سایر عوامل دست اندركار تهیه اثر هنری من جمله نوازندگان ، آهنگساز ، تنظیم كننده اثر ، صداپرداز و... نیز كاری را در حد و اندازه كار استاد ارائه كنند. آوازهای آقای شجریان در دستگاههای مختلف و گوشه های مختلف این دستگاهها عرضه شده اند ؛ و هنگامی كه ایشان دو اثر را در یك دستگاه خوانده اند ، به غیر از اشعار متفاوت دو اثر، شیوه ارائه گوشه های یك دستگاه در دو اثر مختلف نیز معمولا" یكسان نبوده و باهم تفاوت دارد ؛ اما این تفاوت در حدی نیست كه عموم مردم بتوانند آن را درك كنند.معمولا" افرادی قادر به تمایز دادن بین این تحریرها یا لحن های متفاوت می باشندكه صاحبان فن هستند و در زمینه آواز سنتی تعلیم دیده اند آنچه كه باعث تمایر عمده بین این آثار میشود كار آهنگسازی این آثار است.كه البته آهنگها نیز در قالبهای مختلفی مثل تصنیف ، ترانه ، مقدمه ، قطعات ضربی چهار مضراب ، رنگ و ... ارائه می شوند. هنگامی كه با اهل موسیقی مذاكره می كنم اغلب ایشان اوج كارهای استاد شجریان را در سالهای پس از انقلاب در زمانی می پندارند كه وی آثار خود را با آهنگسازی پرویز مشكاتیان عرضه می كرد. كه به حق آثار عرضه شده در آن دوران مثل نوا ، بر آستان جانان و ... جزو زیباترین آثار موسیقی سنتی ایران بوده و جاودانه شده اند. البته در دوره فراق مشكاتیان نیز هرگاه استاد شجریان با آهنگسازان توانایی مانند حسین علیزاده یا كیهان كلهر آثاری را عرضه نموده ، آثار بدیع و زیبا خلق شده كه بعضا" مورد استقبال فراوان اهل هنر واقع شده و مورد تمجید و تحسین قرار گرفته اند. آنچه كه از قدما به جامانده و جاودانه شده نیز آهنگها ، تصنیف ها یا ترانه های قدیمی است كه هنوز هم در محافل و مجالس مكررا" اجرا می شود و سینه به سینه انتقال می یابد0به عنوان نمونه تصنیف (( الهه ناز )) یا (( من از روز ازل )) استاد مرحوم بنان جزو آثار آهنگین جاودانه موسیقی ایران هستندكه توسط آهنگسازان باذوق و توانایی ساخته شده بودند. ولی آوازهای آن مرحوم را ندرتا" اهالی موسیقی به یاد دارند. آنچه كه از جمع بندی مقدمات فوق الذكر به ذهن خطور می كند این است كه استاد شجریان برای خلق آثاری كه ارزشمند تر بوده و جاودانه شوند0به آهنگساز یا آهنگسازان توانایی نیاز دارد كه آثار بدیع و شایسته ای را برای وی ساخته و پرداخته كنند تا چنین اتفاقی حادث شود و آثار استاد شجریان از نظر آهنگسازی نیز در حد آوازهای زیبا و بی نظیر او باشند. البته انجام چنین كاری مستلزم تقبل هزینه قابل توجهی برای ساخت و تنظیم آهنگهاست كه آن هم جای تأمل دارد و به حیطه اقتصاد هنر وارد می شود كه از عهده اینجانب خارج است. به هرصورت سلامتی و موفقیت استاد شجریان را آرزو می كنم و امیدوارم در آینده نیز شنونده آثار نو و ارزشمندی از ایشان باشیم.

موسیقی ایرانی (قسمت دوم) 1397-06-18

تنها اختلاف راست پنجگاه با آواز ماهور تفاوت جزئی در حالت آنها است به تعبیر دیگر راست پنجگاه همان ماهور است اما درك تفاوت و حالتهای آن تنها در نزد گوشهای آشنا و استادان موسیقی میسر می شود. راست و پنجگاه تنها اختلاف راست پنجگاه با آواز ماهور تفاوت جزئی در حالت آنها است به تعبیر دیگر راست پنجگاه همان ماهور است اما درك تفاوت و حالتهای آن تنها در نزد گوشهای آشنا و استادان موسیقی میسر می شود. راست پنجگاه معمولا در مایه فا در تار و در مایه سل در ویولن نواخته می شود و همانطور كه گفته شد تنها افرادی كه آشنایی كامل با موسیقی دارند آن را می شناسند. این دستگاه نغمات فرعی نیز دارد. بعد از درآمد آواز كه فرودش روی تونیك است و گاهی روی درجه دوم توقف مختصر دارد ، مغمات کوچکی نواخته می شود که اغلب تفاوت هایی با پرده اصلی این آواز دارد. و یكی از گوشه های مخصوص راست پنجگاه ماوراء النهر است. حالت آواز راست پنجگاه حالت خاصی از خود ندارد و تنها بعضی از گوشه های آن مخصوص خود اوست و در جای دیگری نواخته نمی شود. راست پنجگاه از سایر آوازها كاملتر است چون تغییر مقام به سایر آوازها زیاد است چرا كه دارای تمام حالات و صفات آوازهای دیگر نیز می باشد. راست خود یك آوازی بوده كه در موسیقی قدیم ما عنوانی دارد. و پنجگاه هم گوشه ایست ولی امروزه اصل موضوع مهمتر از این دو گوشه است. و در واقع همان طور كه گفته شد همه آوازها در آن زده می شود. زنگ شتر قدیم، پروانه، روح افزا، عشاق مرقع، سپهر، بحر نور، نهیب، محیر، قرچه، نفیر فرنگ، نوروز عرب ابوالچپ، راك عبدالله راوندی، طرز، لیلی و مجنون، نغمه، زنگوله، نیریز از نغمه های آن است.

دستگاه و مقام سه گاه به طور معمول آنچه در دستگاه چهارگاه زده می شود، تقریبا همان اسامی و روش در سه گاه نیز زده می شود. فقط چون گام فرق نموده، تفاوت بسیار می نماید. سه گاه از نغمات قدیمی ایران بوده زیرا كلمات یگاه، دوگاه، سه گاه، چهارگاه و پنجگاه و حتی شش گاه و هفت گاه، در كتابهای قدیمی موسیقی ایرانی ذكر شده است. این آواز میان تركها و اهالی آذربایجان و قفقاز رایج می باشد و تركها در خواندن این آواز بیشترین مهارت را از خود نشان می دهند ولی فارسی زبانها آواز سه گاه را به طریقی كمتر محزون و غم انگیز می خوانند. مقام سه گاه گامی مستقل دارد كه نه به گام بزرگ و كوچك شبیه است و نه با شور و همایون ارتباط دارد. درجات مهم سه گاه مانند گام افشاری عبارتند از: درجه اول تونیك درجه سوم شاهد و درجه پنجم نمایان اما درجه سوم در نغمه های سه گاه اهمیت بیشتری دارد. سه گاه و افشاری از نظر علمی با هم رابطه دارند چرا كه اگر از نت متغیر افشاری صرفنظر شود و حتی به درآمد آواز افشاری هم با دقت كامل گوش كنیم خواهیم دید كه نه فواصل گام افشاری و سه گاه اختلاف دارند و نه در حالتشان تفاوت واضحی وجود دارد. آواز سه گاه دارای متعلقاتی (گوشه ها) است كه مهمترین آنها عبارتند از : زابل مویه، كرشمه، حصار، مغلوب و مخالف. سه گاه در واقع آوازی است بی نهایت غم انگیز و حزن آلود كه ناله های جانسوز و شراره های پرسوز آواز آن هر شنونده ای را متأثر و متألم می كند. سه گاه مجموعه ای است از آه و ناله های ممتد سوزان و غمناك و حزین. او از غم و هجران عاشق سخن می گوید و بدبختی و بی نوایی مستمندان. این آواز در واقع با روح جانكاه و سوز و گداز جانسوزش یادگاری است از مصیبت ها دردها، و آلام نیاكان و گذشتگان ما.

دستگاه چهارگاه دستگاه چهارگاه از نظر علم موسیقی یكی از مهمترین مقامات ایرانی است گام آن مانند شور و همایون پایین رونده است و مثل گام ماهور و اصفهان بالا رونده می باشد چرا كه در هر دو حالت محسوس است. در گام چهارگاه همیشه دو علامت نیم پرده برشور و دو علامت ربعی فروشو با هم وارد شده اند. و فواصل درجات این گام نسبت به تونیك عبارتند از: دو نیم بزرگ سوم بزرگ چهارم درست پنجم درست ششم نیم بزرگ، هفتم بزرگ و هنگام، كه دانگهای آن هم با یكدیگر برابر است. از میان مقامات ایرانی و به خصوص موسیقی مشرق شور، سه گاه و چهارگاه است كه از میان مقام چهارگاه از همه مهمتر است گام چهارم با گام بزرگ ارتباط دارد چرا كه مانند گام بزرگ بالارونده است. سوم بزرگ مانند گام بزرگ است دانگهایش مثل گام بزرگ مساوی بوده و فاصله آخر آنها نیم پرده است و همین طور فاصله هفتم آن مانند هفتم گام بزرگ است و فاصله محسوس تا تونیك نیم پرده می باشد. از طرف دیگر این چهارگاه با گام كوچك نیز ارتباط دارد و به طریقی تمامی گامهای مختلف در یك جا جمع شده اند و بهترین صفات هرگام را انتخاب كرده تا گام چهارگاه را با صفات عالی تشكیل دهد. از گوشه های اصلی این دستگاه می توان موارد زیر را نام برد. كرشمه، بدر، زابل، بسته نگار، مخالف، حصار، ساز بانك ،حدی پهلوی و منصوری آواز چهارگاه نمونه جامع و كاملی از تمام حالات و صفات موسیقی ملی ماست. چرا كه در آمد آن مانند ماهور موقر و متین است و شادی و خرمی خاصی دارد. در ضمنی آواز زابل در همه دستگاهها و در اینجا حزن و اندوه درونی در آواز ما دارد. آوازی نصیحت گر تجربه آموز و توانا مانند همایون دارد و آواز مویه و منصوری غم انگیز و حزین است. پس این دستگاه نیز به دلیل كمال خود هم گریه و زاری می كند و هم شادی می آفریند و گاهی مسرور و شادمان است و گاهی نیز غم انگیز و دل شكسته و با توشه ای از متانت و وقار عارفانه شرقی اما روی هم رفته چهارگاه را میتوان دستگاهی محسوب كرد كه مانند پیری فرزانه دارای روحی بلند و عرفانی است و احساسات عالیه انسانی را در كنار خصائص و محسنات انسانی صبور و شكیبا داراست. از ناكامی و ناامیدیها اشك غم می ریزد و در شادیها و خوشیها اشك شوق و سرور

جایگاه آواز ایرانی بیات اصفهان را دستگاه نمی دانند اما به تدریج اهمیت و اعتبار ویژه ای یافته است و از گوشه های مهم آن می توان جامه دران، بیات راجه، عشاق و عبادت كه یك نوع متنوع می باشد را نام برد. گام اصفهان به گام كوچك نزدیك است چرا كه تونیك آن با گام كوچك مشترك و تنها اختلاف آن در درجه ششم می باشد. و اختلاف آن با همایون این است كه گام اصفهان از درجه چهارم همایون شروع می شود. درجات مهم گام اصفهان عبارتند از: 1- تونیك كه گام اصفهان از آن شروع و به آن ختم می گردد. 2- درجه پنجم نمایان 3- درجه سوم كه نت ایست است و گاهی فرود اصفهان روی آن است. نعمات فرعی اصفهان كه نام آنها در بالا ذكر شده هیچكدام اختلاف مهمی با خود اصفهان ندارند و از حالات زیبای آواز اصفهان ایستادن روی درجه دوم گام است موسوم به بیات راجه كه حالت خوشی دارد. اما به هر حال اصفهان را متعلق به همایون می دانند تا شور، اصفهان آوازی است گاه شوخ و خوشحال و گاه محزون و غمگین اما روی هم رفته جذاب و دلكش است چون شنونده از شنیدن آواز اصفهان نه زیاد شاد می شود و نه ملول و حالتی دارد بین غم و شادی.

دستگاه یا مقام شور این دستگاه آوازی است كه با ذوق و قریحه شرقی ها موافق بوده و از مهمترین دستگاههای موسیقی ملی ما می باشد كه دارای گام مخصوصی است فواصل پرده های آن خیلی با هم فرق ندارند و اغلب نغمات طوائف و ایلات و عشایر در زمینه این دستگاه می باشد. كیفیت آواز شور بطریقی است كه آواز متداول مردم ایران است و بخصوص متعلقات این آواز بیشتر در بین عامه معمول است.

نغمات شور چنانكه مشخص است متعلقات شور زیاد است و آنهایی كه آواز جداگانه محسوب می شوند عبارتند از ابوعطا ترك، افشار و دشتی كه در این مبحث درباره آنها توضیح داده شده است و گوشه های دیگر شور از این قرارند: سلمك رضوی، شهناز كوچك و بزرگ حسینی، دوبیتی، ملانازی، گریلی

1- آواز ابوعطا گام ابوعطا با شور تفاوتی ندارد و تنها اختلاف در توقف مكرر روی درجه چهارم (نت شاهد) و درجه دوم نت ایست است و با همین اختلاف جزئی آواز ابوعطا حالت مخصوصی پیدا می كند كه با شور متفاوت می باشد. اما این اختلاف از حیث گام و مقام ابوعطا نیست بلكه فقط از نظر حالت و كیفیت آن آواز است. آواز ابوعطا در واقع آوازی بازاری است كه میان توده مردم رواج دارد و دارای لطف و زیبایی خاصی است و در عین حال با شور اما بی تفاوت هم نیست.

2- حجاز یكی دیگر از متعلقات مهم دستگاه شور حجاز است كه لحن مخصوص عربها است و در كشور ما از آن برای خواندن قرآن و مناجات نامه های مذهبی استفاده می شود. و بتدریج جزء موسیقی ما شده است كه هر آوازه خوانی در ضمن ابوعطا آواز حجاز هم می خواند.

3- بیات ترك اگر تن بیات ترك را تونیك شور فرض نماییم تفاوتی در فواصل گام شور و بیات وجود ندارد امانت شاهد آن درجه سوم گام شور می باشد. در بیات ترك نمی توان میان تونیك و شاهد تفاوتی قائل شد چرا كه این آواز همیشه روی شاهد خود یعنی درجه سوم گام شور فرود آمده و فقط در موقع اتمام به طرف تونیك شور متمایل می شود. در واقع بیات ترك یك قسم تغییر تونیك شور است كه در خاتمه به تونیك شور مراجعت می كند.

4- افشار یا افشاری در میان متعلقات شور اختلاف افشاری از سایرین بیشتر و گام آن مستقل تر است اما به دلیل وجود دو حالت كوچك آن را جزء شور به حساب می آورند چرا كه گام آن چنانكه بعد معلوم می شود به سه گاه نزدیكتر از شور است. گام افشاری از درجه هفتم گام شور شروع می شود. در افشاری درجات اول و سوم و پنجم اهمیت ویژه دارند. از خواص دیگر افشاری این است كه درجه ششم آن همواره در تغییر است یعنی به همان صورتی است كه در شور دیده می شود و گاه یك ربع پرده پایین می آید. و این چنین نتی را متغیر می نامند. از تغییرات مهم آن تغییر مقام به آواز عراق و راك می باشد. افشاری آوازی است مغموم و دردناك كه از داستان هجران و فراق سخن می گوید گویی كه عاشقی خسته دل از شدت فراق و درد و آلام می نالد. و به طور كلی این آواز برای نشان دادن حالاتی مانند ناله های جانسوز هجران و جدایی، شكایت از بی وفایی یار، درد و اندوه و اظهار تألم و تأثر و ذكر خاطرات اسف انگیز می باشد.

آواز رهاب اما آواز رهاب كه در آخر افشاری نواخته می شود نصیحت آمیز بوده و حالتش برعكس افشار است. و به مانند پیرتجربه دیده ای خواننده را دعوت به صبر و بردباری و دوری از سوز و گداز می كند و می خواهد آب خنكی بر دل داغدیده مصیبت دیدگان بریزد و آنان را با نصایح دلپذیر امیدوار و سرزنده كند.

آواز دشتی این گام تفاوت چندانی با شور ندارد امانت شاهد آن درجه پنجم گام شور است. (نت شاهد حجاز) در آواز دشتی هرگاه روی نت شاهد توقف شود به حالت اصلی است و هرگاه به طرف نتهای بم تر تغییر كند همین تغییر آواز دشتی را غمگین و محزون كرده و لطف و زیبایی خاصی به آن می دهد. متعلقات دشتی از قبیل غم انگیز، چوپانی و گیلكی اختلاف مهمی با دشتی ندارند و اختلافشان تنها در حالت آنهاست. آواز دشتی یكی از زیباترین متعلقات دستگاه شور بوده و آوازی است حزین و غم انگیز و سوزناك و در عین حال لطیف و ظریف و می توان آن را آواز چوپانی ایرانی نیز نامید. این آواز از مناظر و چشم اندازهای زیبا و متنوع طبیعت یعنی از دشتهای سرسبز و جویهای روان و سایه درختان تا آسمان نیلی و ستارگان درخشان شبانگاهی و عطر و عبیرگلها و زندگی سخن به میان می آورد. در عین حالی كه عشق عاشق و غم شادی این عشق و زندگی روزمره در آن جاری است.

جمع آوری: سودابه بيات

موسیقی ایرانی (قسمت سوم) 1397-06-18

گامهای موسیقی قدیمی ایرانی از هجده نت و هفده فاصله تشكیل می شده و هر یك اسمی داشته اند و بعضی از آنها امروز نیز در ردیفهای موسیقی ایرانی ملاحظه می شود. درجات گام در موسیقی ایرانی گامهای موسیقی قدیمی ایرانی از هجده نت و هفده فاصله تشكیل می شده و هر یك اسمی داشته اند و بعضی از آنها امروز نیز در ردیفهای موسیقی ایرانی ملاحظه می شود. درجات گام در موسیقی قدیم همچنان كه با موسیقی امروز مطابقت دارد: 1- یگاه = دو 2- نیم بیاتی= ربمل 3- نیم حصار= ركرن 4- عشیران= ربكار 5- نیم عجم= می بمل 6- عراق= می كرن 7- نیم ماهور= می بكار 8- راست= فا 9- زنگوله= سل بمل 10- راهوی= سل كرن 11- دوگاه= سل بكار 12- نهاوند= لابمل 13- سه گاه= لا كرن 14- بوسلیك= لابكار 15- چهارگاه= سی بمل 16- صبا= سی بكار 17- عزال= سی كرن 18- نوا= دو

شعر و موسیقی ایرانی انسان هنرمند به این نكته پی برده بود كه هرگاه دو هنر شعر و موسیقی در هم آمیخته شوند و فرصتی برای ترنم شعرهای گوناگون و عمدتا عاشقانه و عارفانه در كنار نواهای روح انگیز موسیقی پیش بیاید موسیقی آوایی و آوازی حاصل می شود. كه اثر آن بسیار بیشتر خواهد بود. شعرایی كه در ادوار گذشته از موسیقی سررشته ای داشتند و اشعار خود را با نغمات و الحان موسیقی توأم می نمودند به خوبی شاهد تأثیرپذیری افزونتر شنوندگان آثارشان می شدند در ایران نیز بعضا آنقدر شعر و موسیقی با هم تلفیق گشته اند كه عموما شعر را با موسیقی یكی می دانند و دوش بدوش پیشرفت شعر و صدا باعث احساس جدایی ناپذیری آنها گشته است. اما در موسیقی ما به دلیل كم بودن تعداد مقامها و سازها، توأم بودن شعر و نواها اجتناب ناپذیر می نماید و چون موسیقی ایرانی به تنهایی نمی تواند از عهده تمامی احساسات و عواطف و حالات و همین طور كیفیات نوایی برآید لاجرم محتاج شعر می باشد. وقتی به تاریخ نیز نگاه می كنیم می بینیم كه از دیر زمان این دو هنر با هم آمیخته شده و شاعر و موسیقیدان حقیقی اغلب به كسی گفته اند كه این دو هنر را همزمان دارا بوده است. باربد موسیقیدان دوره ساسانی شاعر نیز بوده و اشعاری كه می سروده با آهنگ نغمه هایی كه خود می ساخته می خوانده است. در قدیم نیز هر شاعری كه صدای خوش نداشت برای سرودن و خواندن اشعار خود از فرد خوش صدایی استفاده می نموده است. اما در میان شاعران ایرانی بودند كسانی كه خود نوازنده و خوانند نیز بوده اند از جمله رودكی كه علاوه بر شاعری خوانندگی و نوازندگی نیز می نموده از دیگر افراد مشهور ابوحفص سغدی سمرقندی را می توان نام برد فرخی شاعر معروف عهد غزنوی نیز با اشعاری بغایت لطیف و با صورتی خوش و آهنگ چنگ یا بربطی كه می نواخته دارای ارزش و اعتبار والا و درخور ستایشی در زمان خود بوده است. اما بعضی شاعران دیگر نیز بودند كه اگرچه موسیقی نمی دانستند اما با الحان و نغمات موسیقی الفت مخصوص داشته اند كه از آن جمله اند منوچهری دامغانی كه گفته های او بهترین نمونه های اشعار طرب انگیز و نشاط آور زبان فارسی به شمار می روند. در كتاب خسرو و شیرین نظامی نیز موسیقی مستتر است وی چند مجلس از سرود خواندن نكیسا و ساز زدن باربد ذكر نموده و سی لحن باربد را نیز یاد كرده است و برای هر كدام از آنها شعری ساخته است مانند گنج بادآور، گنج كاو، گنج سوخته، اورنگی، آرایش خورشید و ... اما در زمان مولوی نیز موسیقی در نظر عارفان و اهل تصوف مقامی ارجمند پیدا كرد به طریقی كه در مجالس درویشان و اهل معنی همیشه مثنویهای او خوانده می شد. و سماع و رقص نیز یكی از لوازم كار آنها بود. و خود مولوی نیز بعد از ملاقات شمس، مجالس وعظ و شعر خود را به بساط رقص و سماع و شعرخوانی موزون و آهنگین تبدیل نمود. و دیگر اینكه شاعرانی مانند خیام، حافظ سنایی و عطار با اشعار خود به نوای جانگداز نی و نغمات روح بخش چنگ و بربط با رغبتی تمام گوش می دادند و آهنگها و الحان موسیقی را برای سیر در عالم معنی و شنیدن نوای قدسی بهترین وسیله بر می شمرده اند. به قول حافظ رباب و چنگ به بانگ بلند می گویند كه گوش و هوش به پیغام اهل راز كنید.

تقابل موسیقی ایرانی و عربی بعد از حمله اعراب و اختلاف فرهنگهای كهن و متمدان ایرانی با فرهنگ عربی، موسیقی نیز همچون سایر هنرها از ایران به سایر ممالك و قبایل عربی برده شد از سویی عربها به دلیل نداشتن پیشینه قوی هنری و نفوذ و رسوخ فرهنگ و طرز تفكر اعراب در فرهنگ ایرانی آهسته آهسته هنرهای جدید و كاملا استیلیزه ای پیدا می شد. اعراب موسیقی را نیز مانند سایر علوم، آداب و رسوم و صناعات از ایران اقتباس نمودند. نوعی تمپوونی ابتدایی و احتمالا نی انبان بسیار ساده به اضافه قاشقك كل ا بزار موسیقی اعراب بود آنها با ورود به ایران با سازها و موسیقی بسیار مترقی تر ایرانی آشنا می شدند و سازهایی مانند نای، سنج، بربط نیز از سازهای ایرانی بود كه وارد موسیقی عربی شده بود. از خوانندگان و نوازندگان مشهور عرب آن دوران اعشی بن قیس، عبدالله بن زبیر، سعید بن مسجع می باشند. و از جمله موسیقی دانهای ایرانی مشهور آن عهد می توان از نشیط فارسی ابن محرز یونس كاتب (كه وی بیشتر نویسنده بوده و آثاری در مورد موسیقی و آهنگسازی دارد) بعدها به دلیل منع و تحریم موسیقی در اسلام این هنر به خصوص در دوره خلفای راشدین كه قوانین شرع را با شدت وحدت كامل اجرا می كردند. تقریبا متروك شد و تنها پس از روی كار آمدن خلفای اموی بر مسند قدرت مقداری از احكام شرع را كاسته و آرام آرام موسیقی اركستری، تك نوازیها به همراه نغمه سرایی و همین طور موسیقی مجلسی در دربارها وارد گردید و در این میان موسیقی دانان ایرانی ارج و منزلت تام یافتند كه بعد از آشنایی با زبان و ادبیات عرب، اشعار عربی را با موسیقی و نواهای ایرانی در هم آمیختند. در زمان معاویه و یزید موسیقی ایرانی قدم از حجاز بیرون نهاد و در دیگر مناطق اسلامی اندك اندك رواج یافت. شهرهایی مانند شام و حجاز و بغداد كه مركز خلافت اعراب به حكومت رسیده شده بود تبدیل به مراكز عیش و عشرت شد و دیری نگذشت كه غزل سرایی، سرود خوایی، غنا، آوازهای خوش و موسیقی های مجلسی اعیانی رونق یافت و خوانندگان و مطربان فراوانی در دربارها حضور یافتند. اما نقش عمده را در این بین موسیقی دانهای ایرانی داشتند كه علاوه بر دربار در مجالس خصوصی و در میان مردم و بلاد و روستاها به نواختن می پرداختند. از جمله موسیقی دانهای ایران این دوران می توان از ابراهیم و پسرش اسحاق نام برد و همین طور ابراهیم موصلی پسر ماهان كه از استادان فن موسیقی و ماهر در نواختن عود و آوازخوانی بود. اسحق بن ابراهیم نیز از مشاهیر آن دوران بود. و همین طور منصور زلزل. به هر حال چه در دوره های قبلی و چه در دوره های بعد از اسلام ایران و كشورهای تابعه آن دارای یك نوع موسیقی عملی و با بنیه بودند و نوازندگان و سرایندگان درصدد جستجوی قواعد ارتباط اصوات و الحان بودند. باری هر چند كه گفته می شود ایرانیان رعایت اصول و به قاعده در آوردن الحان و اصوات موسیقی را از یونانیان و رومیان قدیم اقتباس كرده اند و در مكتوبات خود به این قواعد اشاره نموده و بتدریج درصدد تكمیل آن بر آمدند و نغمات و مایه ها و مقامات موسیقی خود را با قواعد و اصول كلی صداشناسی و فیزیك صدا تطبیق كردند و از نظر ریاضی نیز در ارتباط و نسبتهای اصوات بحث و گفتگو نمودند كه به تدریج اصول و قواعد حاكم بر موسیقی ایرانی گردید. در قرون و دوره های بعدی نیز دانشمندانی بودند كه در كتابها و دیگر تألیفات خود سعی در تكوین قواعد موسیقی و بحث و آشنایی با موسیقی ایرانی نمودند كه شاخص ترین آنها عبارتند از: ابونصر فارابی در كتاب الموسیقی الكبیر ابوعلی حسین بن سینا جزئی به عربی در كتاب شفا راجع موسیقی دارد و جزء دیگر دانشنامه علایی می باشد. صفی الدین عبدالمومن ارموی دو كتاب به نام رساله شرفیه و كتاب الادوار نوشت. قطب الدین شیرازی نیز از جمله فلاسفه ایرانی كتابی به نام دره التاج لعزه الدباج و در فن چهارم از علم ریاضی شرح مفصلی راجع به موسیقی دارد. دیگری عبدالقادر مراغه ای است كه كتاب موسیقی خود را به نام مقاصد الاحان نگاشته است همچنین دو كتاب دیگر راجع به موسیقی به وی منصوب است به نامهای جامع الالحان و دیگری شرحی است كه به كتاب الادوار صفی الدین نوشته است.

مرجع: اطلاعات جامع موسیقی، بهرام نفری نظری به موسیقی، روح الله خالقی جمع آوری: سودابه بيات

تاريخچه موسيقی (قسمت چهارم) 1397-06-18

در آخرین دوره های قبل از تاریخ اسلام پادشاهان ساسانی به دلیل قدرت و اقتداری كه داشتند در كنار دیگر امور اقدام به بسط و توسعه تمدن و هنر ایرانی نمودند و در كنار دیگر صنایع و هنرها موسیقی نیز در اثر ترغیب و تشویق حكام ساسانی به خوبی رواج و رونق یافت. در زمان اردشیر موسیقی دانها و نوازندگان نیز مانند دیگر افراد طبقه خاصی را تشكیل می دادند و در نزد او از ارج و قرب خاصی برخوردار بودند. موسیقی ساسانیان در آخرین دوره های قبل از تاریخ اسلام پادشاهان ساسانی به دلیل قدرت و اقتداری كه داشتند در كنار دیگر امور اقدام به بسط و توسعه تمدن و هنر ایرانی نمودند و در كنار دیگر صنایع و هنرها موسیقی نیز در اثر ترغیب و تشویق حكام ساسانی به خوبی رواج و رونق یافت. در زمان اردشیر موسیقی دانها و نوازندگان نیز مانند دیگر افراد طبقه خاصی را تشكیل می دادند و در نزد او از ارج و قرب خاصی برخوردار بودند. همین امر در نزد بهرام گور نیز دیده می شد معروف است كه وی چهارصد تن نوازنده و خواننده را از هند به ایران آورد و در زمان او موسیقی ارزش و اعتبار فوق العاده ای داشت. در دوره ساسانی پایه و اساس موسیقی ملی ایران بنا نهاده شد و موسیقی دانهای ایرانی تحت سرپرستی رئیس تشریفات سلطنتی «خرم باش» انجام وظیفه می كرده اند و در مهمانیها و مجالس به دستور او اجرای آهنگ و سرود می نمودند. معروف ترین آهنگسازان و نوازندگان دوره خسروپرویز سركش، باربد و نكیسا بودند. سركش مقام بزرگی در دربار ایران داشت و بعدها باربد جانشین او شد. باربد بسیار فعال بود و اختراع دستگاههای ایرانی را به او نسبت می دهند و به نظر می رسد كه او در مقامهای قدیم اصلاحاتی به عمل آورد و دستگاهها را تنظیم نمود. دستگاههای موسیقی مركب از هفت خسروانی بوده و اختراع آنها را به نكیسا خواننده معروف خسروپرویز نسبت می دهند. بعلاوه 30 لحن و 260 دستان یا آهنگ وجود داشته كه با ایام هفته ماه و روزهای سال ساسانیان تناسب داشته است. بعضی از داستانها مربوط به حوادث تاریخی مانند: كین ایرج، كین سیاووش، گنج بادآورده بوده و بعضی دیگر از داستانهایی كه در وصف جشن ها و طبیعت ساخته شده بود به دستان نوروز بزرگ، آرایش خورشید یا ماه بركوهان یا ماه بالای كوهسار معروف هستند. یكی از آوازها راست بود كه امروزه یكی از دستگاههای ایرانی است و در زمان خسرو پرویز ابداع شده بود. از سازهای آن دوره (ساسانی) می توان عود، بربط، چنگ و نای و شیپور را نام برد. موسیقی دوره ساسانی مخصوصا در زمان خسروپرویز ترقی و پیشرفت بیشتری نمود. و باربد موسیقی دان مشهور این دوره بود كه از آن در كتابهایی مانند شاهنامه خسرو و شیرین نظامی حكایاتی ذكر شده است. به طوری كه نوشته اند باربد مخترع تعداد زیادی آهنگ و نوا است كه آنها را در حضور خسرو پرویز می نواخته و مشهور است وی سیصد و شصت لحن ونوای موسیقی ساخته بود كه هر كدام از آنها را در یكی از روزهای سال می نواخت. نظامی گنجوی اسامی سی (30) لحن باربد را كه برای سی روز ماه ساخته و در كتاب خسرو و شیرین آورده است. از دیگر موسیقی دانهای مشهور این دوره نكیسا است و مشهور است كه وی در نواختن چنگ بسیار چیره دست و ماهر بود از دیگر افراد معروف می توان با مشاد، رامتین، (یا رامین) آزاد و ارچنگی را نام برد كه آنها نیز از خوانندگان و نوازندگان مشهور دربار ساسانی بودند. از سازهای معمول منسوب به دوره ساسانی می توان نی، نای، غژك، عود و رباب و بربط چنگ را نام برد. به انضمام چند ساز كوچك ضربی و سنجی از سازهای ذكر شده نمونه ای چنگ در تصویری مربوط به طاق بستان دیده می شود كه چند نوازنده مشغول نواختن آن می باشند.

موسیقی در تمدن اسلامی عربستان در مركز كشورهای عربی قبل از پیدایش اسلام كشوری عاری از تمدن بود و به جز ادبیات كه در حدود یك قرن پیش از اسلام در آن كشور اهمیت یافت. از هنرهای زیبا بهره چندانی نداشت. پس از حمله اعراب به ایران، اعراب با دنیای متمدن آشنا شدند و در موسیقی و دیگر هنرها تحت تأثیر هنر ایران و هنر روم و به ویژه كشورهای اطراف قرار گرفتند. با وجود تحریم موسیقی از بدو پیدایش اسلام موسیقی در كنار مذهب وارد شد و در وهله اول برای اذان و تلاوت كتاب آسمانی به صورت نوای مطبوع و آواز خوش بكار آمد. آواز در موسیقی اعراب در راه پیماییها، كوچ ها، صحراگردیها، همراهی با كاروان شتر و اسب، آواز ضربی و تك نوازی سازهای سبك قابل حمل، نواخته و خوانده می شد. آوازهای ضربی حباب هم آهنگ چهار نعل اسب و غناء الركبان، آواز سواران بود كه در حركت ها خوانده می شد. در دوره بنی امیه چون خلفای اموی به رسم پادشاهان ایران درباری ترتیب داده بودند بتدریج موسیقی به دربار آنها راه یافته و رواج یافت و سه شكل جدید در آهنگهای ضربی به نام الطاق الاول، الطاق الثانی، و رمل معمول شد. از موسیقی دانهای این دوره عیسی بن عبدالله است كه در سال 123 هجری قمری تولد یافته بود. از دیگر موسیقی دانها ابوعثمان سعید بن مسجع است ابن مسجع از سیاه پوستانی بود كه موسیقی را در ایران فرا گرفت و دو سیم زیر و بم را به سیمهای عود عربی افزود.

جمع آوری: سودابه بيات

تاريخچه موسيقی (قسمت پنجم) 1397-06-18

اساس موسیقی بعد از اسلام مانند پایه تمدن اسلامی به دست ایرانیان گذاشته شد و اگر آثار هنری ایران نبود موسیقی شرقی امروزه در كشورهای عربی به شكل كنونی به وجود نمی آمد. به هر حال ایرانیان علیرغم محدودیتهای آیینی و مذهبی سهم بزرگی در رشد و رواج موسیقی شرقی داشتند و بخصوص از قرون دوم و سوم هجری تقریبا كلیه موسیقی دانان و آهنگسازان و حتی تعدادی از خوانندگان ساكن در كشورهای عربی ایرانی بودند. ادامه ی موسیقی در تمدن اسلامی اساس موسیقی بعد از اسلام مانند پایه تمدن اسلامی به دست ایرانیان گذاشته شد و اگر آثار هنری ایران نبود موسیقی شرقی امروزه در كشورهای عربی به شكل كنونی به وجود نمی آمد. به هر حال ایرانیان علیرغم محدودیتهای آیینی و مذهبی سهم بزرگی در رشد و رواج موسیقی شرقی داشتند و بخصوص از قرون دوم و سوم هجری تقریبا كلیه موسیقی دانان و آهنگسازان و حتی تعدادی از خوانندگان ساكن در كشورهای عربی ایرانی بودند. شاید شاخص ترین وجه تمایز موسیقی غربی با موسیقى شرقی قائل بودن اصول هارمونیك بر موسیقی مغرب زمین و اصول نغمگی بر موسیقی شرق باشد و افزون بر آن تفاوت بر طرز تلقی شرقی ها از پرده ریتم و تزئین نغمه می باشد كه در اروپا این اصول غریبه است. دوره ای وجود دارد كه هر دو موسیقی خاور و باختر مشتركا از عناصر موسیقی یونانی و رومی و همین طور از گام فیثاغورس استفاده می كرده اند. همان گامی كه بوعلی سینا آن را گام ایران باستان می نامد و در عین حال هارمونی نیز نزد هر دو ملت ناشناخته بوده است و مهمترین وجه تمایز دو موسیقی در آن دوران وجود نظامی از موسیقی موزون و همین طور ادراكی از تعشیه یا تزئین نغمات در نزد ملل شرقی بوده است. تئوری و عمل موسیقی سامیان را می توان منشأ موسیقی غربی قرار داد. و در دوره هایی كوتاه قبل از اسلام در مناطقی كه قلمرو عربستان عربها تا حدی تحت نفوذ گام ایران باستان بوده اند. به نظر می رسد كه بعدا در اوان اسلام حجاز موسیقی موزون و ریتم را از ایران اقتباس كرده اند و اعراب با وجود ابن مسجع خواننده ایرانی الاصل تئوری جدید موسیقی و تركیب عناصر ایرانی و بیزانسی را اقتباس و پدید آوردند. اما به گفته مورخین اثرات وارداتی از ایران و بیزانس موسیقی بومی اعراب را تحت الشعاع قرار نداد بلكه شاخ و برگ درخت آن موسیقی را پیوند بیشتر داد. این نظام موسیقی تا سقوط بغداد همچنان اعتبار داشت و در همان دوره ها بود كه اسحاق موصلی (پسر ابراهیم پسر ماهان رازی) تشویق به از سر گیری گام ایرانی با موسیقی فوق الذكر و تنظیم این دو گردید. البته در ایران تا سالیان طولانی متد و فنون موسیقی آنگونه كه از باربد و زمان او باقی مانده بود تنها رساله مورد استناد موسیقی دانان بود. و در قرون بعدی با پیدا شدن ربع پرده در موسیقی ایران اجرای ساخته های باربد تقریبا منسوخ گردید هر چند كه در ایران حتی تا امروز گامهای بدون ربع پرده همچنان دوام یافته است. از آن سو تلفیق موصلی انسجام خودش را تا ظهور استاد اصفهانی (967م) حفظ نمود دوباره گامهایی از نو پذیرفته شد كه به نام گام زلزلی و خراسانی نامیده شدند. و به تعبیر تعدادی از صاحبنظران آنچه كه منجر به حفظ نظام قدیمی تر به عنوان بنیان تئوری موسیقی ایرانی كمك نمود آشنایی موسیقی با موسیقی یونان بود كه از طریق افرادی همچون ارسطو، اقلیدس، بطلمیوس انتشار یافت و در قرن دهم و یازدهم میلادی اندیشه های ایرانی به ویژه گام خراسانی به طرزی موثق در عرصه مقامها اقتباس و پذیرفته شده بود و تنها مدتها بعد بود كه موسیقی دان و نظریه پردازی به نام صفی الدین ارموی برای نخستین بار نظریه جدیدی عنوان یا به نظم در آورد كه به نظریه منتظمیه معروف است و در طی قرون چهارده و پانزدهم میلادی گام دیگری مورد قبول موسیقی دانان ایرانی و عربی قرار گرفت و آن هم نظام ربع پرده بود. به هر طریق موسیقی عرب ایران و بیزانس در طی تقابلات متعدد از یكدیگر متأثر می شده اند. در طی دوران اسلامی چه در ایران موسیقی صدایی (آوازی) (البته در ایران غالبا در شكل مذهبی آن) پیوسته بر موسیقی خالص و همراه با ساز آن ترجیح داده شده است و دلیل عمده آن در ایران دلبستگی شدید ایرانیان به شعر و ادبیات منظوم می باشد كه بهترین قالب اجرای آن آواها و ترانه ها بودند. اما در میان شكلهای شعری در موسیقی صدایی علاوه بر قصیده شكلهای كوتاهتر دیگری مانند قطعه، دوبیتی، غزل و آواز بلند و از همه مطلوب تر بوده است و اشكال متاخرتر آن یعنی به شكل و موشح بعدها به غرب هم راه یافت. نغمه كه بر روی گامهای معین اجرا می شد شكلی موزون و ریتمیك داشت. البته چون آزمونی ناشناخته بود تذهیب و تزئین نغمه ای به جای آن حضور داشت كه گاهی شامل گرفتن همزمان یك پرده از نغمگی و پرده های واقع در فواصل چهارم پنجم و یا هشتم آن می شده است. و این تمهید را تركیب یا مركب می نامیدند و در صورت همراهی ساز معمولا به دنبال نغمه سرایی این همراهی سازی با عود طنبور، قانون، فلوت یا (قصبه) و نای و همینطور دف، طبل، دهل، سرنا و غیره صورت گرفته و وزن قطعه شعری و نغمه حفظ می شد. البته قطعات بدون آوازسازی نیز وجود داشته كه تنها به عنوان كمكی در ابتدا، میانه و انتهای نغمات انجام می شده است. در موسیقی رزمی (نظامی) كه با همراهی نمایشهای نظامی و به همراهی سازهای پرسر و صدا مثل طبل و سنج و بوق و كرنا اجرا می شده و تعداد موضوعات تمها و مدت زمان اجراهای نظامی بسته به نظر فرماندهان صاحب دسته یا به خواست امیران بوده است. به هر حال به رغم نكوهش شرعی موسیقی عرفا و صوفیان از موسیقی به عنوان وسیله مكاشفه كه از طریق حالت وجد و شعف ایجاد می شد یاد كرده اند. دراویش پیرها، انجمنهای اخوت قواعد و مقررات مربوط به مراسم آیینی خود را به وسیله موسیقی شكل می دادند و تمام موانع ظاهری موجود اجتماعی و فرهنگی موسیقی منشأ تأثیرپذیری وجد و سنا و سماع محسوب می شد. در ضمن كه خاصیت درمان كنندگی روحی و روانی موسیقی تا حدودی مدنظر بوده است. در مجالس صوفیان و دراویش تنبور، دوتار، دف و دایره جایگاه خاص و خلسه آوری داشت و در نزد عوام نیز خنیاگران و موسیقی گران و خوانندگان دوره گرد غنیمتی بود پر ارج. در زمینه سازهای مورد استفاده و آلات بسیار متنوع موسیقی قدیمی مشكل عمده البته اختلاط و یا تقریبا یكی بودن نوع و تعداد سازهای مورد استفاده در نزد اعراب و ایرانیان بوده است كه جدا كردن و مستقل نمودن آنها تقریبا امری مشكل و محال است در اینجا می توان تنها ذكری از نام چند ساز به میان آورد كه وجود آنها محرز بوده است. علاوه بر سازهایی كه در لابه لای متن ذكر شد سنطیر یا سنتور صنج یا چنگ، قانون، كنانچه یا كمانجه و شوشك یا غیشك یا غیچك و همین طور شهود و یا عود بزرگ، سنج انواع كوچك و بزرگ و چهارگوش و گرد دف كه به شكل ساده و یا مزین به زنگوله یا حلقه های كوچك نیز بوده است. ارغنون یا نوعی ارگ، دولاب كه آن را عربها الشقیره می نامیدند و ارگ آبی را می توان نام برد. طبق گفته ها برای اثبات ایرانی بودن سازها می توان چند ساز و نام مخترع آن را ذكر نمود. به تعبیری فارابی رباب را اختراع نمود و همینطور زنام سازی بادی به نام نای زنامی یا قانون و زلامی را به وجود آورد. زلزل عودالشبوط را ساخت و حكیم نامی بوق زبانه دار را اختراع كرد. زریاب وسعت عود را بسیار افزایش داد. بیاسی و ابوالمجد را سازنده ارگ می نامند و صفی الدین ارموی مزهه یا قانون چهارگوش را اختراع نمود و همچنین اختراع مغنی را نیز به او منسوب می نمایند. به هر طریق تا اوایل قرن نهم در نزد اعراب و ایرانیان نوع نت نگاری و موسیقی نگاری اولیه و ابتدایی به وجود آمده بود. در حالی كه غالب موسیقی دانها و نوازندگان موسیقی را به صورت گوشی و حفظی می آموختند. و در این میان همیشه چه در اوایل اسلام و چه بعدها به واسطه به قدرت رسیدن حكام عیاش و خوشگذران موسیقی دانها دارای دو وجه برداشت شخصیتی بوده اند اغلب در می شدند و بیشتر در نزد اعیان و اشراف و دربار بود كه قدر موسیقی علمی، موسیقی اصیل و سنتی و موسیقی به عنوان هنری شایسته و زیبا ارج و منزلت خود را داشت و همواره نوازندگان آهنگسازان و خوانندگان به خلوت دربار و سیاستگاهها راه یافتند و بسیاری از اسرار مملكتی و سیاسی نیز در آن خلوتگاهها مطرح می شد كه خوانندگان و نوازندگان می توانستند این مطالب را درز داده و به جاهای منتقل كنند همچنان كه در طول تاریخ نیز از این هنر به عنوان یك حربه سیاسی سود برده شده است. اما در كنار تمامی افت و خیزهای موسیقی شرقی بزرگترین مزیتی كه از موسیقی مشرق بر غرب تجلی نمود همان موسیقی موزون است كه ساخته و پرداخته موسیقی دانان مسلمان بود و بعد از آن تزئین نغمه (كه در زبان اروپایی آرابسك نامیده می شود) را می توان ذكر نمود این تزئین و تركیب به احتمال فراوان نیروی محركه اصلی آزمونی اروپایی محسوب می شد. و بارها توسط موسیقی دانان مغرب زمین سعی و اهتمام شده تا نغمه ها و اشكال خاص اركستراسیون مشرق زمین را به همراه ملودی و تمها، وارد موسیقی اروپایی نمایند. همانگونه كه موسیقی مدرن اروپا و موسیقی جاز به كلی مدیون و مشحون موسیقی اقوام بدوی آفریقایی و ملل سیاه پوست مغرب زمین می باشد.

جمع آوری: سودابه بيات

مشاوره رایگان کودکان 1397-06-14

باز هم انتخاب پیانو 1397-06-14

ساز شناسی 1397-06-14

آرا‌ هاشمی 1397-06-18

آرا‌ هاشمی متولد تهران سال 1358؛ وی مدرس كیبورد، گیتار پاپ، پیانو، درامز، تئوری موسیقی، ‌هارمونی، صدابرداری، میكس و مسترینگ، نرم افزارهای موسیقی دیجیتال است. از سال 63 با ساز ضربی شروع به فعالیت كرده‌اند.
از سال 63 نوازندگی كیبورد با به تدریج نوازندگی سازهای مختلف پیانو، درامز، كنگا، پركاشن و از سال 76 شروع به آهنگسازی درس‌هارمونی با پرویز منصوری و آهنگسازی برای صدا و سیما از سال 80 نمونه «موسیقی فیلم فریاد سكوت و هست برای سیما فیلم» و تدریس كیبورد از سال 73 و گیتار از سال 80. ساخت كارهای اركسترال و موسیقی پاپ. ساخت ترانه برای خواننده‌های مختلف تدریس در آموزشگاه‌های اندیشه گهربار و تاسیسی و راه‌اندازی آموزشگاه آوای ما، در عباس آباد و شهرك غرب و تدریس در مدرسه سرود و موسیقی صداوسیما. تدریس و معرفی نرم افزارهای موسیقی و صدابرداری و میكس و مسترینگ تدریس تئوری موسیقی،‌هارمونی، سلفژ، آواز پاپ و صداسازی.

علی اکبر فروزش 1397-06-18

علی اکبر فروزش مدرس ساز سنتور؛ آموزش موسیقی را از سال 1356 شروع و بدلیل پیروزی انقلاب و وقفه ای کوتاه مجددا از سال 1358 بطور جدی ادامه داد و در دوره های مختلف از اساتید برجسته ای چون نصراله ناصح پور، مسعود شناسا، محمد جواد ضرابیان، مجید کیانی و پرویز مشکاتیان بهره مند شد.
علاوه بر آموزش آواز دستگاهی نوازندگی سنتور را نیز فرا گرفت و در این ره آورد ده ساله به تجربیات ارزشمندی دست یافت، از جمله فعالیتهای ایشان اجراهای فراوان در جشنواره های مختلف و کسب مقام اول و همچنین اجرای کنسرتهایی در تهران و شهرستانها بویژه در شهر زادگاهش در ورامین که تحولات اساسی در زمینه موسیقی بوجود آورد و در برگزاری یازده دوره جشنواره موسیقی فجر نقش اساسی داشت، علاوه بر این فعالیتها ایشان اجرای برنامه های متعددی در صدا وسیما در قالب تکنوازی، گروه نوازی و کارشناسی و مصاحبه با اساتید برجسته موسیقی از جمله، فرهنگ شریف، همایون خرم، داود گنجه ای، اردوان کامکار، پرویز مشکاتیان و ..... که از رادیو پخش شد، ایشان عضو انجمن موسیقی استان تهران و رییس انجمن موسیقی شهرستان ورامین نیز میباشد. علی اکبر فروزش شاگردان ممتازی را پرورش داده که امروزه در عرصه موسیقی کشور فعالیت میکنند ایشان هم اکنون در آموزشگاه سرای هنر مشغول تدریس موسیقی و ساز سنتور میباشند.